The Violet Press

NO ME LLEVARÁN

2011-10-02T18:36:00.001-03:00

01/10/11 - Teatro: Los días de fiesta no pasan trenes (Fernández, Giusto, Navarro, Sassi)

Otra vez la soledad. ¿Qué rostro tiene la soledad? Para el protagonista de “Los días de fiesta no pasan trenes” (obra escrita por Ezequiel Fernández, Raúl Giusto, Osjar Navarro y Gustavo Sassi, y dirigida por éste último) la soledad asume numerosos (e inquietantes) rostros. El primero de ellos, el suyo propio, el que nunca (jamás) se quiere reconocer. Pero luego vienen esos rostros aún más siniestros: el del maniquí, el de la muñeca (Martinita), el del adusto retrato en blanco y negro, y el más acuciante de todos, el de ese hombre que nunca llega.

Con música de Sandro de fondo arranca una obra breve pero intensa, con picos de hilaridad que sirven para contrarrestar una atmósfera densa y cargada de pulsiones oscuras. De no contar con esa tenebrosidad, con esa siniestra familiaridad, la obra podría haber salido de la pluma de Manuel Puig, pues Severo Vira, el protagonista, es un modisto (o costurero) acostumbrado a trabajar con grandes estrellas. Sin embargo, los costados más retorcidos lo alejan de la estética pop y camp del autor de El beso de la mujer araña y otras obras inolvidables, y lo acercan más a los límites mismos de la locura.

Si se vuelve a la pregunta inicial, sin duda el rostro que tiene la soledad es el de la locura, el de la disociación, el de aquel no puede reconocer sus propias patologías. Noche de Navidad, Severo pone la mesa y departe con sus invitados: el maniquí, Martinita la muñeca, el adusto retrato. Lo que podría ser considerado un monólogo es claramente un diálogo, un diálogo sostenido maravillosamente a lo largo de toda la obra por la ductilidad escénica y vocálica de Claudio Veliz como Severo Vira.

Severo Vira no monologa, no habla consigo mismo, no se considera a sí mismo un ser fuera de lo normal: Severo entabla un diálogo por momentos dramático y por momentos desopilante con sus “invitados” y aunque éstos jamás contesten, la dinámica teatral hace que el espectador pueda llenar esos huecos aparentes con pasmosa rapidez y facilidad. Las vicisitudes de una vida a la sombra de una gran estrella, que como toda estrella es caprichosa, narcisista, egoísta e insoportable, van desfilando por los recuerdos que Severo enhebra con la misma habilidad con que le enhebraba las agujas a su mamá. Una vida al servicio de los demás termina siendo la sombra de lo que pudo haber sido y que, en esa triste, acaso última noche de navidad, tampoco va a concretarse.

En suma, “Los días de fiesta no pasan trenes” es una obra que, con la compleja elegancia de la simplicidad y sin apelar a golpes bajos ni de efecto logra hacer reflexionar al espectador sobre uno de los temas más acuciantes y vigentes de nuestros días: la terrible, ponzoñosa, inquietante soledad del ser humano.

Sábados, 20:30 hs.

Teatro El Fino

Paraná 673

Reservas: 4181 4201

Entradas: 40 $

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Alternativa Teatral

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SIEMPRE LA SOLEDAD

2011-06-14T00:45:00.000-03:00

12/06/11 - Teatro: Entre mujeres solas (Palant)

La soledad. Siempre la soledad. Esa sombra que nos acompaña de la cuna a la tumba y que la mayoría no sabemos cómo evitar, cómo tramitar, cómo lidiar con ella. Mujeres y soledad. Un binomio que, digan lo que digan, parece indestructible. O bien, un binomio que la cultura ha hecho, con sus modelos, sus marchas y contramarchas, indestructible. Toda mujer está sola a menos que esté legalmente casada. En toda otra circunstancia, siempre estará (y será señalada por estar) sola.

Solas también están las mujeres de las dos obras, englobadas bajo el atinado título de “Entre mujeres solas” del dramaturgo y director Jorge Palant, que actualmente se están presentando en el acogedor Teatro Tadrón, enclavado en una esquina del barrio de Palermo, los domingos a las 18 horas. Momento ideal para degustar alguna de las delicias orientales que sirven allí mismo y luego ver una obra que a través del grotesco muestra diferentes facetas de la soledad, de la amistad, del género femenino y de las relaciones de poder entre los seres humanos.

En la primera obra, “Griselda en la cuerda”, una mujer entrada en años, y sin embargo atlética, llega en medio de la noche a una pensión en un pequeño pueblo. Pronto nos enteramos de que ha venido como parte de un circo. Pronto nos enteramos también de que no puede dormir, que a escondidas y con culpa bebe alcohol, que a pesar de sus años y achaques es equilibrista, y que apenas puede con su alma y su circunstancia. El contrapunto necesario para el desarrollo dramático lo ofrece la dueña de la pensión, mujer dura, seca, hosca, que se niega a todo contacto que vaya más allá del establecido por las normas más elementales de convivencia. Imposible sacarle una sonrisa, imposible sacarle conversación, imposible lograr un acercamiento entre ambas. Tan sólo al final, un atisbo de compasión asoma a sus labios al gritarle a Griselda que tenga cuidado cuando esté “en la cuerda”.

En la segunda obra, “Al pasar por un cuartel”, otras son las relaciones de poder que se juegan y establecen también entre dos mujeres, aunque la soledad siga siendo el nudo principal. En un tono más lúdico (y también más grotesco), asistimos a la deriva senil de una mujer autoritaria (con la autoridad, desde luego, que sólo puede dar el dinero) que “juega” juegos de ficción con su mucama/asistente/secretaria/partenaire. Esta singular mucama, aparentemente escapada de la corte de los milagros, accede a contarle a su patrona aventuras amorosas que ha tenido (o fingido tener) en el pasado. Todo el juego consiste en repetir sin cambiar ni un ápice un guión previamente establecido entre ambas. Entremedio de esos juegos, se cierne la figura de un enigmático coronel que cumpliendo arresto domiciliario lo quiebra impunemente una y otra vez. Toda la vida de esa ricachona claramente venida a menos se reduce ahora a las visitas (¿ficticias?) a parientes que detesta y a un batallón de médicos a los que suministrará hasta los más mínimos detalles del (mal) funcionamiento de su organismo. Pero todo estalla cuando su esclava decide romper las reglas del juego y liberarse, aún a riesgo de perderlo todo.

En suma, una obra plena de profundos matices y con la sobresaliente actuación de Dora Mils (primero como la dueña de pensión hosca y luego como la señorona al borde del Alzheimer), quien puede componer con la misma gracia y eficacia dos personajes tan opuestos y disímiles. Todo se complementa con una puesta en escena despojada, musicalización acorde y un texto más que potente e imponente.

Domingos, 18 hs.

Teatro Tadrón

Niceto Vega 4802

Reservas: 4777-7976

Entradas: 40 $ (estudiantes y jubilados: 20 $)

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Entrevista a Jorge Palant

Alternativa Teatral

Crítica en El Caleidoscopio de Lucy

ESA TEMIBLE REGIÓN NAIF

2011-03-21T22:28:00.000-03:00

20/03/11 - Teatro: Genealogía del niño a mis espaldas (Apolo)

El domingo 6 de marzo se re-estrenó el "haiku teatral" Genealogía del niño a mis espaldas, obra de Ignacio Apolo, con dirección de Vilma Rodríguez y la actuación de Oscar Ferrero (como el niño) y Javier Rodríguez (como S.Rz). En un horario algo inusual (a las 17:30 hs.), pero que es de agradecer para quienes no vivimos en la ciudad de Buenos Aires, y en el íntimo recinto de No Avestruz, es posible disfrutar de una obra que apuesta a la sutileza, a las pinceladas breves e irónicas, pero también a lo sombrío, lo extraño y hasta lo siniestro.

Un hombre, un niño, un zoológico. Un banco de madera iluminado de forma tal que su respaldo simula los barrotes de las jaulas (pero, ¿cuáles jaulas? ¿las del zoológico o las del pensamiento?). Con estos elementos y un texto que constantemente apela a otros discursos (como el científico, el de las taxonomías animales y el de la literatura) se compone una inquietante trama que deja flotando numerosas preguntas. La más acuciante tal vez sea quién es ese niño que permanece a espaldas del personaje adulto y lo interpela en reiteradas ocasiones sin obtener demasiado de él. El niño, que permanece en "esa temible región naif" que es la infancia, hace las preguntas que hacen todos los niños, sabios siempre por naturaleza. ¿Su padre? o ese adulto que se mantiene allí aleccionándonos con palabras rimbombantes acerca de los animales que moran en las diferentes partes del zoológico nunca parece tener la respuesta adecuada, acaso el mayor drama que un niño pueda vivir. Preguntas sin respuesta, respuestas diferidas, a destiempo, en eterno desfasaje van jalonando el reticulado etéreo de la obra, que no se priva de mencionar el famoso cuento de Julio Cortázar "Axolotl", aquel donde un hombre que consuetudinariamente visita el Jardin des Plantes de París se transforma en el "pez azteca de inmovilidad filosófica".

La obra entra también en profundidades más extrañas, como la transmigración de las almas o las sucesivas reencarnaciones del filósofo griego Empedócles o del "ignoto poeta celta", en una enumeración caótica sumamente poética ("durante un año estuve hechizado en la espuma del agua"), que le suministran una coloratura diferente y digna de destacarse.

Del mismo modo, la obra juega también con la permanente tensión entre la identidad y la otredad, entre el presente y el pasado, entre lo que fue y ya no es. ¿Ese niño es realmente el hijo del hombre que está allí o, más verosímilmente, es él mismo, es el niño que fue y ya no puede volver a ser? ¿O, más inquietante aún, nada lo ata a ese niño que, impertinente como todos los niños, reclama su atención, su afecto, su cariño?

Como dice su propio autor, "la obra es una hermosa apuesta actual y también es un homenaje, una mirada retrospectiva", ya que se re-estrena luego de diez años y de haber obtenido el Primer Premio en el Certamen Metropolitano de Teatro en el año 2000. Con música de Federico Marrale y escenografía de Valeria Abuin, Genealogía del niño a mis espaldas invita a recorrer un zoológico íntimo y tangencial, donde las preguntas se esparcen como hojas otoñales y la poesía de lo mínimo, inquietante, se instala.

Funciones: domingos a las 17:30 hs.

No Avestruz

Humboldt 1857

Reservas: 4777-6956

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Blog de Ignacio Apolo

Alternativa Teatral

TÍTERES PARA TODOS

2010-07-04T22:40:00.000-03:00

04/07/10 - Espectáculo de títeres: Un día en África

La experiencia de esta cronista con niños es prácticamente nula. Hija única, la más pequeña de las nietas, sin hijos y sin amigas que a su vez tengan hijos, digamos que no suele frecuentar los espectáculos para niños. Mucho menos la literatura infantil, categoría que, si pudiera, ella borraría del mapa de los géneros literarios, pero no porque tenga algún trauma con la misma si no porque, en general, la literatura infantil suele ser díficil de digerir hasta para los más pequeños.

Por eso se alegró mucho cuando observó que "Un día en África", espectáculo teatral de títeres de la compañía "Juglares", con dirección de Roberto Cortizo Petraglia, es una obra que, si bien está pensada y enfocada hacia el público infantil, es, al mismo tiempo, sumamente interesante para "los grandes". Y cuando dice "sumamente interesante", quiere decir entretenida, divertida, nada pretenciosa ni enmarañada: una obra para ser vista, oída y disfrutada no importa la edad que se tenga.

Basada en una leyenda de origen africano, la obra muestra el derrotero de Kanú para convertirse en esposo de la princesa Okoya, a quien su padre ha decidido casar con el guerrero más fuerte. Kanú es un pan de Dios, flacucho y esmirriado, que siempre hace todo lo que le ordenan pero que prefiere usar la cabeza antes que pasarse horas haciendo abdominales como su archirrival Banema, el insoportable "guerrero" lleno de músculos pero carente de toda sensibilidad. Okoya, desde luego, está enamorada de Kanú. Con estos cuatro personajes de gran encarnadura humana (prestada maravillosamente por las voces y el manejo de sus respectivos títeres de los actores Ivana Averta, Natalia Chiesi, Gastón Courtade y Francisco Ramírez) más los diversos animales de la selva se conforma una obra que trasmite los esenciales valores de la igualdad, la astucia antes que la fuerza bruta y el respeto por los otros de una manera inteligente y apta para todos los públicos.

Si bien es cierto que los títeres en general suelen tener algo inquietante, en el caso de los títeres y máscaras que salen a escena en "Un día en África" éstos son de lo más entrañable y delicioso que se pueda esperar, y hasta el fiero león, el gran elefante, la temible serpiente, la impertinente rana, el hermoso flamenco, el comiquísimo mono sabio, la distinguida águila real y el cocodrilo se vuelven absolutamente queribles por el espectador. Tan así es que la mayoría de los niños que asistieron a la función permanecieron en arrobado silencio y en gran expectación toda vez que Kanú dialogaba con los animales de la selva para lograr su objetivo.

Tanto la música, con canciones de ritmos pegadizos y sencillos, como la escenografía, con una suerte de gran libro que pasaba sus hojas con los distintos paisajes africanos (la aldea, la selva, las montañas) complementan a la perfección una obra a la que tanto padres como tíos, abuelos, primos, sobrinos y demás miembros de la familia harán muy bien en ir a ver y disfrutar, no sólo porque ofrece un espectáculo de calidad si no porque brinda un rescoldo de ilusión, apostando al triunfo del amor por sobre todas las cosas.

Funciones: Domingos a las 16 hs.

En vacaciones de invierno (¡atenti!), de miércoles a domingo a las 16 hs.

Teatro Andamio '90

Paraná 660

Reservas al tel. 4373-5670.

MILAGRO, RENCOR Y FASCINACIÓN

2010-03-28T20:18:00.000-03:00

27/03/10 - Teatro: La revelación (Gatto)

Una mujer y una extraña relación con Dios (y con un hombre ido). Un hombre y una extraña relación con su perro. Un rancho en medio de la pampa agreste y salvaje. Estampitas rotas, velas, misticismo y sensualidad a flor de piel. Todo eso (y más) constituye la obra “La revelación”, con dramaturgia de Agustina Gatto y dirección de Tatiana Sandoval.

La mujer (Alejandra D’Agostino) tiene una relación personal con Dios: le habla como si fuera un ser humano, le pide cosas, lo reta, lo desafía, no teme nunca su ira. Ha vivido hasta hace poco con un hombre, Juan, a quien ya no volverá a ver. Es entonces cuando llega otro hombre (Germán Rodríguez), buscando a su perro malherido, que se ha acovachado en la cama de ella. Este hombre vendrá a romper el círculo místico en el que ella estaba encerrada y la sacará también de la impura obsesión por Juan, una especie de Jesús demasiado humano.

El perro, que el hombre quería hacer pasar por caballo, morirá y otro más fiero, llamado Rencor, lo sucederá. La pareja no tendrá escrúpulos en participar en riñas y peleas de perros y conejos (a uno de los conejitos lo llamarán Fascinación) para obtener algo de dinero y así salvar a la hija de él. Pero todo será en vano. Ella, entonces, dejará de hablar con Dios y saldrá a pelear con él y sin él también. La apoteosis final marcará un nuevo inicio para los personajes, liberados ya de sus antiguas trabas, juntos, solos pero con la yegua Milagro y con un hijo por venir entre ambos.

La puesta en escena es minimal pero certera. La fuerza del texto descansa en su poeticidad y en el recurso de narrar y anunciar a la vez lo que los actores están haciendo o ya han hecho (y el espectador no pudo ver). Sin desmedro de la actuación de ambos y del alto matiz onírico del texto, por momentos se tenía la sensación de que hubiera sido un excelente guión cinematográfico antes que teatral. Aún así, se generan en el espectador gran cantidad de imágenes sugestivas y sugerentes gracias al recurso de narrar en lugar de actuar y de llevar así la imaginación hacia otros parajes.

En suma, una obra original que plantea un enfoque diferente y que con economía de recursos logra un alto impacto en el espectador.

Funciones sábados 20.30 hs.

No Avestruz

Humboldt 1857

Reservas: 4777- 6956

Entrada: $ 25 (Est. y jub. $ 20)

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Alternativa Teatral

Programación de No Avestruz

NARANJA Y LIMÓN

2010-03-14T16:32:00.000-03:00

13/03/10 - Teatro: Esencias (Casares)

La compañía teatral Punto Medio está presentando, a sala llena cada sábado en el teatro El Piccolino, su nueva obra: “Esencias”, con libro y dirección de Fernanda Casares. Bajo la premisa de qué pasa “si en la búsqueda de la media naranja uno se encuentra con medio limón”, desgranan una serie de pasos de comedia tiernos y desopilantes de la mano de sus seis personajes: Romina (Natalia Schvetz), Lucas (Martín Tecchi), Clara (Fernanda Casares), Facundo (Emiliano Lobo), María (Alejandra Peralta) y Luciano (Javier López).

Con una escenografía astutamente conformada por dos mitades de una esfera (una naranja y una verde limón), lo que permite los rápidos cambios de escena y ambientación, más la excelente elección de los temas musicales que abren y cierran cada paso (Sandro, Palito Ortega, boleros e incluso Frank Sinatra) las casi dos horas de obra se pasan raudamente, mientras las carcajadas resuenan en toda la sala.

El planteo de la obra es simple pero efectivo: una pareja que recién se conoce, la de Romina y Lucas, abre el fuego. Ambos están en el supermercado y el flechazo es instantáneo. Él viste una sobada camiseta de Estudiantes de La Plata, camiseta que será objeto de arduas discusiones y tironeos más adelante; ella se declara “encantada” por el fútbol. El amor ha nacido, pero ¿serán felices y comerán perdices? ¿O sólo comerán papas de aquí en adelante? En la siguiente escena, aparecen Clara y Facundo, una pareja que ya se ha separado pero que aún no ha logrado desengancharse. La otrora gris y aburrida Clara es ahora una mujer despampanante pero como ella misma admite es también “pura cáscara”. Facundo ha vuelto a verla y no puede pasar un minuto más lejos de su presencia, de su “luz”. Pero ¿es posible rearmar una pareja que ya se ha disuelto irremediablemente? ¿Puede el cambio de uno de sus integrantes operar el milagro o tienen que cambiar los dos? En el tercer cambio de escena, nos encontramos en el subte con Luciano y María, también una pareja que se disuelto hace ya tiempo. La incomodidad del reencuentro es manifiesta. Silencios, timideces, preguntas sin sentido que se repiten sin ton ni son. Procuran deslumbrarse nuevamente (“vivo sola”, “ahora tengo mi propia empresa”), pero pronto nos daremos cuenta de que todo eso también es pura cáscara y que la esencia de cada uno sigue siendo la misma. ¿Podrá una pareja así volver a funcionar? ¿Deberían probar, a ver qué pasa?

Ésas y muchas otras cuestiones van a ser aludidas a lo largo de la obra y las respuestas siempre serán tan tiernas como mordaces. ¿Qué pasa cuando cada uno no aguanta más lo que antes le gustaba tanto del otro? ¿Hay retorno? ¿Es posible mantener la pasión después de cierto tiempo? Y para que la cosa sea más completa, los personajes de Clara, Facundo, Luciano y María terminan enredándose ¿casualmente? entre sí, conformando verdaderas “parejas disparejas” que a priori no podrían funcionar pero que, al parecer, tienen más chances de vencer los obstáculos del destino. Entretanto, para la pareja de Romina y Lucas hay también una luz de esperanza, en medio del fútbol y de las papas fritas.

Con actuaciones sobresalientes, entre las que se destaca la de Natalia Schvetz (Romina), la obra resulta no sólo una manera entretenida y vital de pensar en el amor, la pareja y los mandatos familiares y sociales a los que todos respondemos sin siquiera pensarlo sino también un modo de acercamiento al teatro por parte de un público que no suele concurrir a este tipo de espectáculos por tenerlos asociados a la solemnidad y el acartonamiento. Precisamente ése ha sido uno de los puntos cruciales que llevó a este grupo de actores a conformar la compañía Punto Medio y no cabe duda alguna de que logran, con creces, su cometido.

Funciones: sábados a las 23:30hs.

El Piccolino: Fitz Roy 2056

Informes: 4779-0353

Entradas: $30

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Página de Punto Medio

Alternativa Teatral

LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS

2010-03-07T14:17:00.000-03:00

06/03/10 - Teatro: Mágica (Prociuk)

Cuando una idea es buena puede ser aprovechada en multiplicidad de situaciones. Si la película “Ghost (la sombra del amor)” demostró que se podía hablar de una cierta vida en el más allá (con incidencias en el más acá) de forma verosímil, la obra de teatro “Mágica” (dramaturgia y dirección de William Prociuk), reestrenada este sábado en el Teatro La Tertulia, demuestra que también se puede hacer teatro con eso.

Una trama bien pensada, bien escrita, bien ejecutada y magistralmente actuada es, sin lugar a dudas, uno de los principales atractivos de una obra que tiene muchos. Como las actuaciones, por un lado, las situaciones hilarantes por otro y, por si fuera poco, momentos de hondo dramatismo con picos de tensión que tienen sobrecogido y admirado al espectador durante los 85 minutos que dura la función. ¿Qué más se le puede pedir a una obra de teatro? Bien ambientada y excelentemente musicalizada, “Mágica” merece funciones a sala llena todo el tiempo y es lo que sin duda logrará, ya que apelando a un imaginario porteño y urbano, apenas enrarecido por la presencia de un “guía espiritual” bastante poco espiritual, la obra toca fibras muy caras al espectador.

La terrible soledad, los claros desórdenes psíquicos y el variable humor de Carlos (Marcelo Pozzi) contrastan con la ingenuidad y el candor de Lucía (Victoria Mamolitti), su futura víctima y próxima “sombra del amor”; el amor desordenado de Ana (Natalia Salmoral), hermana de Carlos, por Marcos, un típico policía, con todas las taras y los tics propios del oficio, estupendamente actuado por Ezequiel Rodríguez, casado a su vez con Inés (Lucrecia Oviedo), termina desencadenando buena parte de la tragedia. El liderazgo espiritual ejercido con gran autoridad por el gurú Joaquín (Julián Calviño) contrasta a su vez con la buena voluntad y la gran torpeza de Negroni (José Formento), el compañero policía de Marcos, presunto autor “intelectual” del hecho. A todo este entramado de personajes tan bien urdido se le suma, hacia el final, Norman (Eduardo Iácono), padre de Lucía, suerte de deus ex machina o bien mensajero del destino que viene a recordarles, cuando ya todos han rehecho sus vidas y han dejado atrás, en apariencia, a Lucía y su “ghost” que si bien pueden haberse “salvado” y zafado de ir a la cárcel, están todos condenados a un castigo mucho mayor: no poder olvidarse jamás de la muerte (“me mataron sin querer”) de Lucía y tener que vivir con ello para siempre.

Escenas de antología: cuando Carlos mata, sin razón aparente y luego de un perverso juego con un arma aparentemente descargada, a Lucía; cuando, entre todos y con las narices tapadas con algodones, deciden deshacerse del cuerpo de Lucía, que ya comienza a heder, envolviéndolo en una frazada tras haber resuelto con ella misma, con su fantasma, que el mejor modo de hacerlo era ese (y además hacerlo en medio de una marcha del silencio por la pronta aparición de la propia Lucía); cuando, algún tiempo después, aparece en escena el padre de Lucía y todo el drama vuelve a caer sobre sus cabezas recordándoles y recordándonos que el destino siempre nos encuentra, por más que nos escondamos, corramos o huyamos en las formas más increíbles.

En suma, “Mágica” es una comedia negra que propone no sólo carcajadas a mandíbula batiente sino también momentos de profundo dolor y pesar, magníficamente dosificados, con actuaciones memorables y con un texto a prueba de balas.

"Mágica", 2ª temporada
Sábados 23 horas
Teatro La Tertulia
Gallo 826
Reservas: 6327-0303
Entrada: 35 pesos (est. y jub. 25 pesos)

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Poster de la obra

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CONTRAPUNTO DE MUJERES

2010-02-28T15:31:00.000-03:00

27/02/10 - Teatro: Toda mi vida he sido una mujer (Kaplan)

Un contrapunto de mujeres, que pueden ser una y la misma, es la obra Toda mi vida he sido una mujer, reestrenada el sábado 20 de febrero en el Teatro Beckett, con dirección de Vilma Rodríguez y las actuaciones de Andrea Jaet y Gaby Ferrero. La obra se presentó en el 2009 en el formato semimontado en el Ciclo de Nueva Dramaturgia Europea (con la cooperación del Goethe-Institut, el Instituto Italiano di Cultura, la Alliance Française, las Embajadas de Suiza y Francia, Pro Helvetia y el Espacio Callejón).
El texto, de la autora norteamericana, aunque residente en Francia, Leslie Kaplan subraya esta idea del contrapunto en tanto carece de cualesquiera indicaciones teatrales o apartes y tan sólo diferencia las ¿diferentes? voces mediante el cambio de tipografía. Esto supuso un verdadero desafío tanto para la directora como para las actrices, quienes en el proceso de ensayo y montaje descubrieron que su puesta se inclinaba naturalmente hacia el humor, logrando así que la obra ganara en muchos aspectos ya que carece de anécdota o, si se quiere, de conflicto a la manera tradicional.
No hay ni inicio ni nudo, ni siquiera desenlace. Hay, sencillamente, dos mujeres que dialogan, hablan, cantan, escuchan, se asustan, se exaltan, traen otras voces, refieren otros discursos, repiten eslóganes, reiteran conductas, satirizan a otras y muestran un florido mosaico de una femineidad nacida y forjada al amparo del consumismo y la paulatina cretinización de la mujer, como diría la polémica Esther Vilar. Se suceden, entonces, breves sketches ambientados en diferentes situaciones en donde estos intercambios de palabras tienen lugar. El texto juega mucho con las aliteraciones, las anáforas, las rimas internas, los juegos de palabras y la polifonía, en una deliberada voluntad de omitir, como decíamos, toda noción de estructura clásica y lineal. Así, estos encuentros de las dos mujeres podrían seguir in aeternum puesto que no hay resolución ni clímax. Para el espectador es como asistir –tal vez sea mejor decir espiar- a una charla entre mujeres, en apariencia trivial e intrascendente.
Pero no hay nada trivial ni intrascendente en los diferentes mensajes que circulan en la obra, que se podrían sintetizar (pero no agotar) en las siguientes preguntas: ¿qué es ser una mujer? ¿es cierto que los hombres están tan atemorizados ante la nueva mujer liberada? ¿puede un otro habitar mi propio cuerpo? ¿qué tanto me perturba la sexualidad propia y ajena? ¿qué tanto poder tiene la publicidad sobre el ser humano, especialmente sobre la mujer? ¿todo lo que una mujer puede ser es un ama de casa perfecta y nada más? y ¿cuánto nos atemoriza alcanzar nuestra propia libertad?
Vale destacar las aguerridas interpretaciones de ambas actrices y el adecuado diseño sonoro y musical de la obra, a cargo de Fabián Dellamónica. Con mínimos elementos, una silla y cuatro muebles que ofician de mesa, mesada o baranda, según la ocasión, el escenario se llena de esas voces que, lejos de parlotear, intentan asir alguna respuesta que les devuelva un sentido, un significado, una certeza de la que asirse en el perpetuo (y complejo) devenir de ser mujer.

Funciones: sábados, 21 hs.
Teatro Beckett
Guardia Vieja 3556 – Almagro, Capital Federal
Reservas: 4867-5185
Entradas: $25 est. y jub.: $20

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Entrevista a Vilma Rodríguez en Página/12

Texto de la obra (en PDF)

LA TELA DE LA TEMPORADA

2010-02-19T22:45:00.003-03:00

18/02/10 - Teatro: 4 temporadas (Sedlinsky sobre textos de Schulz)

Cuando se piensa en la literatura polaca el primer nombre que se viene a la cabeza es el de Witold Gombrowicz. Sin embargo, las letras polacas del siglo XX tienen otro finísimo representante: Bruno Schulz (1892-1942). Escritor, pintor, muralista, dibujante, urdió un mundo literario poblado de fantásticos maniquíes y de un humor ácido y absurdo que la compañía 4 Temporadas en conjunto con Trabajo a Reglamento ha sabiamente rescatado en la obra “4 temporadas”, estrenada ayer en el Camarín de las Musas. Con dirección de Javier Swedzky y dramaturgia de Pedro Sedlinsky, presentan la historia de la Maison Katel, una gran tienda de telas regenteada por un padre que sufre una extraña mutación y tres hijos que no saben muy bien qué hacer ni con él, ni con el negocio ni con la vida en general.

Los hijos, Adela, José y Segundo, representados por Flor Sartelli, Julián Rodríguez Rona y Leonardo Volpedo se disputan el amor tiránico de su padre y juegan distintos roles en el negocio familiar: Adela es la muchacha servicial para todo uso; José es el hermano mayor, el que supuestamente debería tomar todas las decisiones acerca de la marcha de la tienda pero siempre termina haciendo lo que le dice el padre, y Segundo es un soñador y revolucionario de pacotilla, financiado por su padre.

Y las cosas en la Maison Katel no están funcionando bien. Llega la primavera y es el momento de lanzar una nueva tela de temporada, un modelo y un estampado que se vuelvan un furor: allí es donde arranca la obra, con los tres hermanos dándole al público la bienvenida a su primorosa tienda, mostrando rollos y rollos de maravillosas telas, seda natural, crepe plisé y la vedette de esa primavera, la seda fría con grandes estampados de flores. Pero la tela de la temporada es un fiasco y sólo logran vender un metro de muestra y a cada temporada la situación tambaleante de la tienda empeora mientras los personajes entran en un ciclo de locura, absurdo y extrañeza imparable.

Si algo hay que destacar de esta excelente puesta y propuesta, además del humor ingenuo y ácido a la vez de la poética de Schulz, es la inquietante presencia tanto del padre (un títere espeluznante, como todos los títeres) así como de los tres mudos maniquíes, todos obra del artista plástico Nicolás Botte. El padre no llega a medir un metro y su voz es impostada por uno de los actores tan bien y de modo tal que siempre parece provenir del propio muñeco, lo que agrega aún más inquietud (y asombro) en el espectador. Con voz cascada, el padre-títere-próximamente pájaro no deja de gritar órdenes, pedir cosas, exigir que todo se arregle y manejar, como un verdadero titiritero, los destinos de sus hijos. Éstos, a su vez, se desquitan con los maniquíes. Cada vez que uno de ellos queda a solas en el escenario con un maniquí, los muñecos con forma humana se transforman en confidentes y en fuente de fantasías alocadas y liberadoras (como las de José, que siempre sueña con trabajar en las grandes ciudades del mundo). Así, mediante la interacción dramática con los maniquíes, los personajes logran volcar también sus miserias fuera, como cuando se ve el trato “especial” que Adela le dispensa a García Mata, uno de los fieles clientes de la Maison Katel.

Y mientras las Cuatro Estaciones de Vivaldi jalonan convenientemente la obra, el público –y los propios Katel- asisten a la extraña transformación que sufre el padre, convirtiéndose en un extraño pájaro que apenas emite sonidos, pero que en el final recupera algo de su vigor para seguir mangoneando a sus hijos, en medio de la más pavorosa ruina económica y espiritual.

En suma, una obra sencillamente imperdible, con momentos de comicidad hilarante y con la frágil belleza de las telas danzando y mostrando la multiplicidad de sus colores, la variopinta congregación de ilusiones que es también el ser humano.

Funciones: jueves, a las 21:30hs

El Camarín de las Musas: Mario Bravo 960

Informes: 4862-0655

Entrada: $35 y $20 para estudiantes y jubilados.

Links de interés:

Página de la obra

Bruno Schulz en Wikipedia

Página de Bruno Schulz

MADRE E HIJA

2010-02-08T23:19:00.000-03:00

06/02/10 - Teatro: Querida mamá o guiando la hiedra (Yusem sobre textos de Uhart)

Madre e hija. ¿Existe acaso un vínculo humano más tormentoso, amoroso y arraigado? Con una puesta minimalista, onírica, altamente poética y con un texto compuesto por fragmentos de cuentos de Hebe Uhart, la directora Laura Yusem se propuso investigar dicho vínculo en la obra “Querida mamá o guiando la hiedra”. La secundan en esta pequeña épica de lo cotidiano las actrices Martha Rodríguez (la madre) y Julieta Alfonso (la hija). Vale la pena hacer notar algunas coincidencias: según relata la propia Yusem, su primera puesta en escena fue también sobre textos de Uhart (“Un pájaro gris, medio gordo, de pico corto”, 1970). A su vez, formaba parte de aquel elenco Martha Rodríguez, quien sobresale de manera excepcional en “Querida mamá”, sin desmerecer en absoluto el precioso trabajo de Julieta Alfonso.

Los cuentos en los que Yusem basó la obra son “Querida mamá”, carta de una hija a su madre muerta, y “Obviando la hiedra”, los pensamientos de esa misma madre, pensamientos que relatan una vida que la hija no podría llegar a sospechar siquiera. La puesta teatral, en el Patio de Actores, refuerza este paralelismo, tanto en lo textual como en lo escénico: los personajes nunca dialogan entre sí sino que hablan —monologan— por turnos. Sólo durante un breve momento sus voces se superponen, se persiguen, se ensañan una con la otra pero no llegan nunca al diálogo, acaso la metáfora más acertada (y dolorosa) para el vínculo que la obra explora sin apelar al realismo prosaico sino a la ensoñación poética. Al mismo tiempo, los personajes no se tocan, ni se miran, ni entran en contacto (con excepción del final) duplicando el mismo paralelismo textual citado.

Pero, como buena madre e hija que son, repiten gestos, costumbres, palabras, momentos. Repiten lo que otras antes que ellas también repitieron. Reiteran un pasado que las agobia y que la madre lega a la hija sin que ésta pueda ya seguir sosteniendo recuerdos, chucherías, muebles e idiosincracias que no le pertenecen. Y así se reproducen, de manera desarticulada, fragmentos de peleas, discusiones, enternecimientos y obsesiones, pero el diálogo, el acercamiento real nunca se concreta. Y como un espejo la hija hace lo que hacía su madre y su madre hace lo que su propia madre hacía, en un impactante juego de repeticiones.

Madre e hija. Duplicados, repeticiones. Ellos son también uno de los leit-motifs de la obra. La carta que la hija intenta escribir ha sido escrita tres veces: una vez fue perdida, otra no salió como ella quería y la tercera es la que intenta redactar ahora. Ahora, que hace dos cosas a la vez, como su madre: “mientras barro escucho la radio”. Pero el pesar asciende a medida que la obra avanza y la situación de esa madre ausente —pero tan presente— sugiere diversas hipótesis en el espectador, surgidas todas de los diferentes hilvanes que allí se traman: ¿se exilió acaso por la situación política del país? (la hija le cuenta que los militares ya no están en el gobierno); ¿fue internada en un psiquiátrico? (entre las cosas que la hija rememora está el día en que dijo que no le era posible internarla, porque tenía otras cosas que hacer); ¿se suicidó o bien está muerta y la hija aún está intentando tramitar ese terrible sufrimiento?

La musicalización de la obra (a cargo de Cecilia Candia) refuerza de manera hermosa e inquietante esta idea general de la fragmentación sobre la que gira la puesta: como hilachas o hilos sueltos (“¡de acá no te vas hasta que te salga la pollera evasé!”) los sutiles —también tétricos en algunos pasajes— juegos musicales realzan aún más una obra que, sin duda, tiene todo lo necesario para atraer a un público deseoso de experimentar emociones fuertes sutilmente entramadas, sin estridencias innecesarias.

Patio de Actores

Lerma 568

Tel: 4772 – 9732

Funciones: Sábados 21hs

Localidades: $ 40.

Links de interés:

Blog de la obra

Crítica en Página/12

Alternativa Teatral

LAS NEUROSIS DE NUESTROS PRÓCERES

2009-11-12T00:54:00.001-03:00

10/11/09 - Teatro: La neurosis de los hombres célebres de la historia argentina
(Compañía de Funciones Patrióticas)

Breve pero contundente. Irónica, ácida, corrosiva. Inteligente, sagaz, sarcástica. Tragicómica. Así es “La neurosis de los hombres célebres en la historia argentina”, obra teatral dirigida por Martín Seijo y representada por la Compañía de Funciones Patrióticas, un colectivo teatral que tiene la particularidad de realizar funciones sólo en fechas patrias y de obras que, de un modo u otro, hagan referencia a ésta.
El año pasado, la compañía tuvo el tino de realizar una puesta de El gigante Amapolas, esa olvidada pero siempre vigente obra de Juan Bautista Alberdi. Este año, sin embargo, la compañía apostó a más y realizó esta estupenda adaptación de un insigne tratado decimonónico: La neurosis de los hombres célebres en la historia argentina (1878) del doctor José Ramos Mejía. Imbuido del zeitgeist de la época, el libro describe las diferentes “neuropatías” sufridas por nuestros más célebres próceres, entre ellos Juan Manuel de Rosas, Bernardo de Monteagudo y Guillermo Brown.
Son precisamente estos tres prohombres los elegidos para esta adaptación de la Compañía de Funciones Patrióticas (protagonizada por Paolo Baseggio, Ernesto Fontes, Leandro Ibarra, Natalia Olabe y Guillermo Valdéz), ficción delirante pero cabal en la que estos tres peligrosísimos sujetos se encuentran encerrados en un manicomio bajo los obsesos cuidados del doctor Ramos Mejía.
Sobre una camilla, atado, aparece en la primera escena Bernardo de Monteagudo, una figura importante, hoy olvidada, para la gesta de liberación sanmartiniana. El doctor Ramos Mejía entra en la habitación acompañado por una joven residente. A partir de allí se desencadenan los hechos vertiginosamente y todo terminará de modo completamente inesperado y desopilante. Una voz en off (Claudia Mac Auliffe) aporta los datos necesarios, no exentos de mordacidad, para comprender lo que sucede.
La puesta en escena, austera, deliberadamente precaria, alude siempre a “La lección de anatomía”, el archifamoso cuadro de Rembrandt que la realidad, el azar o una mente perversa reprodujeron en la foto de la autopsia del Che Guevara, imagen que la compañía eligió para ilustrar las gacetillas de esta segunda función de “La neurosis…” (la primera fue el 17 de agosto, en la misma Sala Escalada).
La ciencia del siglo XIX se confunde en esta obra con el entramado político de un país que todavía no puede ser llamado tal y sus terribles dolores de parto. Al mismo tiempo, el humor y la ironía tiñen todo de un tono surreal que casa muy bien con la adecuada elección de las neurosis patrióticas: la erotomanía de Monteagudo, el delirio persecutorio de Brown y la megalomanía de Rosas. Dice el texto de Ramos Mejía respecto de este último: “los grandes neurópatas como Rosas, en cuya contextura espiritual existe una atrofia tan extraordinaria del sentido moral, constituyen todas esas anomalías que son en el orden psíquico lo que las monstruosidades de la organización del cuerpo en el orden físico. Vienen al mundo con el germen de su locura, de esta locura temible que busca el placer en las emociones intensísimas del crimen, que arranca al corazón fibra por fibra y que en cada gota de sangre que vierten, encuentran una fuente inagotable de gratas emociones”.
Para finalizar, conviene entonces estar atentos a las próximas funciones de la compañía, puesto que no sólo desgranan su corrosivo humor a diestra y siniestra sino que ofrecen un espectáculo distinto, a contramano de los discursos oficiales y con una calidad digna de ser mencionada. Dos gestos loables completan esta invitación a la reflexión sobre nuestra propia historia: los pastelitos que se reparten al comienzo y el CD de la compañía que se entrega al final, con imágenes, sonidos y los textos representados. Un verdadero lujo patriótico.

CRÓNICA DE UN DÍA EN AZUL

2009-11-12T00:46:00.000-03:00

III Festival Cervantino de Azul (del 5 al 15 de noviembre de 2009)

Domingo, siete y media de la mañana, esquina de Callao y Rivadavia. La confitería del Molino aún no reabre sus puertas y el Congreso es mudo testigo de los numerosos grupos de jóvenes que recorren las avenidas, recién salidos, es muy evidente, de los boliches. Un grupo, pequeño y bostezante, comienza a conformarse allí. Permanecen ajenos al provocador espectáculo que brindan algunos y esperan. Con gran paciencia, esperan. Mucho después de lo pactado, un combi (mejor dicho, una van) llega, los carga y el ahora alegre grupo de periodistas, que eso eran, van rumbo a Azul, ciudad cervantina de Argentina.

Domingo, doce del mediodía, sobre la ruta 3. Restaurant “Punto Argentino”. Los periodistas porteños bajan de la van, se encuentran con otro grupo de periodistas que ya estaba cubriendo el III Festival Cervantino de Azul y se disponen a comer. Lamentan, algunos, no haber podido ir al Monasterio Trapense, situado unos kilómetros más allá de Azul, tal como estaba planeado. Quedará para otra ocasión. Comida y bebida abundante, pampa infinita y los preliminares: los periodistas que ya estaban cubriendo el festival pasan el parte a los recién llegados y la calma azuleña comienza a apoderarse de todos, menos de algunos impacientes.

Domingo, dos de la tarde, comienzo de la visita oficial a la ciudad de Azul. Primera parada: el ex Matadero Municipal, cuyo portal fue obra del controvertido arquitecto Francisco Salamone. No hay mucho para ver, excepto una construcción de afilados perfiles. Los bullangueros periodistas entran triunfales a la ciudad y empieza el “city tour”. Segunda parada: Parque Municipal “Domingo Faustino Sarmiento”, diseñado por el afamado paisajista Carlos Thays. 22 hectáreas de verde, árboles, caminos, puentecitos y el arroyo Azul que divide a la ciudad en dos. Nos enteramos de que la ciudad se fundó en 1832 como fuerte (el Fuerte San Serapio Mártir) para contener el avance de los malones. 16 carretones de ruedas altísimas (aptas para vadear arroyos y lagunas) llegaron de la mano del coronel Pedro Burgos, de los cuales se encuentra una réplica en el parque.

Un simpático trencito realiza un breve trayecto dentro del parque y los ávidos periodistas preguntaron si era posible dar una “vueltita”. Aprobada que fue la moción por unanimidad, el grupo abandonó la combi para subirse al “Pamperito”, un tren de trocha muy angosta, cuya locomotora funciona con un motor de Ford T y cuyos vagones fueron reformados con partes de autos. Bamboleante y ruidoso, el Pamperito trajo de vuelta, sanos y salvos, a los periodistas muertos de risa ante la aventura ferroviaria en miniatura. Tercera parada: fiesta gaucha pre-Jesús María, en los predios del ejército. Más verde, autos, caballos y auténticos gauchos (facón al cinto y todo) por todos lados. Un amable ambulanciero explicó a algunos de los periodistas presentes de qué iba la cosa y entonces se comprendió un poco más un espectáculo que, de otro modo, resultaría un poco aburrido. La rebelde belleza de los caballos, sin embargo, hubiera bastado para atrapar la vista de cualquiera.

Domingo, cuatro y media de la tarde, Casa Ronco, hogar de la colección de Quijotes más importante fuera de España, motivo de la declaración de Azul como “ciudad cervantina” en el 2007 por la UNESCO. Una casa antigua, de principios de siglo, con sus puertas y celosías altísimas, su zaguán, su patio central, sus pisos de madera crujiente y allí, en las dos habitaciones principales, libros del techo hasta el piso, en estanterías realizadas por su propio dueño, el doctor Bartolomé J. Ronco. Ronco era un abogado capitalino que hacia los años 20 decidió ejercer en la ciudad de Bahía Blanca. Sin embargo, se afincó en Azul, ya que allí se encontraban los tribunales y pronto se casó con una azuleña. Tuvieron una hija que murió a los catorce años y luego de un período de comprensible luto, los Ronco se dedicaron a diversas actividades comunales. El abogado, gran lector, era, además, bibliófilo y coleccionaba ediciones (y todo aquello que tuviera que ver con) del Quijote, la obra fundante de la novela y la literatura modernas. Coleccionaba asimismo ediciones del Martín Fierro, fabricaba juguetes de madera, compilaba términos gauchescos y, por si todo eso fuera poco, dirigió hasta su muerte la biblioteca municipal.

El inquieto grupo de periodistas tuvo entonces acceso a algunos de los tesoros que son celosamente custodiados en la casa Ronco: la edición en inglés de Thomas Shelton, regalada a la biblioteca por el escritor inglés Julian Barnes; la edición de 1716, realizada en Amberes, Bélgica; la edición ilustrada por Salvador Dalí; el Quijote más pequeño del mundo, dos tomos en papel biblia que caben en la palma de la mano; ediciones en idiomas tan lejanos del castellano medieval como el japonés, el lituano y el hebreo; una edición de la editorial Tor para niños, ilustrada por Walt Disney (con Mickey Mouse y todos los personajes de Disney como personajes del Quijote); una edición de lujo realizada en La Plata; una edición de la Real Academia Española en ocho tomos de tamaño considerable, cuatro de los cuales constan únicamente de ilustraciones, con la intención de que el libro pudiera ser disfrutado aún por aquellas personas que no supieran leer. Otros tesoros invaluables, como la edición ilustrada por Gustave Doré, pertenecen a aquella parte de la biblioteca que no se puede mostrar al público, sino apenas sospechar y entrever entre los anaqueles. Quien esto escribe entraba, ante cada edición desplegada, literalmente en éxtasis.

Domingo, cinco y veinte de la tarde, costanera Catriel, desfile inaugural del festival cervantino. Arremolinados entre los lugareños, los periodistas pudieron observar el paso de las diferentes escuelas azuleñas y sus entrañables “cabezudos”, suerte de títeres gigantescos realizados por los chicos bajo la dirección del artista local Omar “Chirola” Gasparini, quien también realizara el mural que adorna parte de la costanera. Bajo el lema de la diversidad cultural se seleccionaron diferentes temáticas sobre las cuales los chicos podían realizar sus títeres y disfraces, y así pudo verse a los pumas y yaguaretés, a la barca de los inmigrantes, al circo Papelito y, por supuesto, cabezudos con motivos cervantinos (especialmente logrado estaba el cabezudo que representaba a Rocinante). Todos recibieron su merecidísimo aplauso y a continuación la murga Los Descontrolados de Barracas cerró el desfile.

Domingo, cerca de las siete de la tarde, últimas dos paradas: cementerio de Azul y grupo escultórico del artista Carlos Regazzoni. El ya exhausto grupo de periodistas, lejos de la algarabía que se adueñara de ellos durante su periplo en el Pamperito, recorrió el cementerio de Azul, cuyo portal también pertenece al arquitecto Salamone. Quien esto escribe no pudo dejar de sentirse subyugada ante la extraña y expresionista belleza del terrible ángel que preside la entrada al camposanto. A pesar de que algunos reporteros se aventuraron a recorrer tumbas, bóvedas y nichos, otros prefirieron quedarse prudentemente fuera y hacer chistes sobre la tardanza de quienes habían entrado. Un rato después, la algarabía volvía a adueñarse de los porteños apurados: el grupo escultórico del artista Carlos Regazzoni invitaba a sacarse las típicas fotos de “miren dónde estoy posando” y casi nadie se sustrajo a ellas, ni a la incandescente belleza de la chatarra oxidada mágicamente transformada en Don Quijote, Sancho Panza, Dulcinea/Aldonza y el perro, un flaco can de metal que desató la polémica: Don Quijote ¿tenía o no tenía perro? Y si tenía, ¿cómo se llamaba?

Domingo, cerca de las nueve de la noche, libertad de acción. Liberados de la presión “vamos a ver esto y esto y esto”, los periodistas se dispersaron o se retiraron a sus aposentos o se enfrascaron en sus laptops y quien esto escribe aprovechó, luego de un breve refrigerio, para recorrer un poco la plaza central de Azul y embobarse con la arquitectura y el diseño gótico de la iglesia-catedral Nuestra Señora del Rosario, así como con el impecable trabajo de restauración del Teatro Español, donde transcurriría la anteúltima parada de la excursión.

Domingo, apenas pasadas las nueve de la noche, Teatro Español, show de la compañía Tangokinesis. Un maravilloso espectáculo de danza que, bajo la dirección de Ana María Stekelman, combina la danza moderna con los movimientos tradicionales del tango, otorgándole una frescura inusitada. El show incluyó tangos como “La cumparsita”, “Buenos Aires hora cero”, “Yo no sé que me han hecho tus ojos”, tres versiones de “Quizás, quizás, quizás” y concluyó con un set de mambos. El público aplaudió a rabiar a los bailarines, entre quienes se destacaron sin duda alguna Nora Robles y Pedro Calveyra.

Domingo, madrugada, cansancio y después… Promediando la medianoche los filtrados periodistas fueron aún agasajados en otro restaurant a la vera de la ruta, esta vez con una picada y un asado bien criollos, como debe ser, y entre la mulita en escabeche, las patitas de chancho, el asado de tira, las ensaladas y los tentadores postres, el nutrido grupo de periodistas terminó subiéndose a la combi de regreso hacia la una y treinta de la madrugada. Luego de unos momentos de charla, todos acordaron tácitamente que había llegado el momento de llamarse a silencio y dormir.

Lunes, cinco de la madrugada, esquina de Callao y Rivadavia. La confitería del Molino sigue sin abrir sus puertas y el Congreso es ahora testigo de cómo los periodistas se despiden, se desean suerte y esperan reencontrarse en otra nueva aventura, tan grata y singular como la que acaba de terminar. ¡Gracias, azuleños!

Links de interés:

Programación completa del III Festival Cervantino de Azul

Cómo llegar a Azul

Nota en ANSud

Todas las imágenes por The Violet Girl.

FESTIVAL PALABRA VIVA

2009-11-03T23:38:00.001-03:00

Del 5 al 8 de noviembre: Festival "Palabra Viva" (El Crisol)

¿Qué es un bululú? ¿Qué es un juglar? ¿Y un narrador oral? ¿En qué se diferencia éste de un escritor “convencional”? Estas y muchas otras preguntas podrán ser contestadas en el Festival “Palabra Viva”, que se celebrará del 5 al 8 de noviembre en El Crisol, del barrio capitalino de Villa Ortúzar.

Será un festival que, en palabras de sus organizadores, procura honrar “a la palabra que emite el cuerpo sin intermediarios audiovisuales. Un homenaje al verbo y a uno de los pilares fundamentales de la herencia cultural desde los comienzos de la humanidad: la tradición oral”. Con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro, el Fondo Nacional de las Artes, la Embajada de España en Argentina y el Gobierno y el Centro Dramático de Aragón, esta primera edición contará con artistas locales (como Ana Padovani) e internacionales (como Luis Felipe Aguirre, Norberto Presta y Javier Tárrega), quienes brindarán shows y workshops donde la palabra emitida en forma oral será la reina.

Cuentos, leyendas, poemas, romances, canciones, mitos, retruécanos, narraciones, títeres y versos tendrán espacio en este festival dedicado a celebrar la palabra en acto, lejos de la “virtualidad” reinante y buscando acercar al público a nuevas formas de apreciar ese bien cotidiano que es el lenguaje. Tanto los amantes de la literatura como los del teatro, los de la poesía y de la música, así como los curiosos, estarán de parabienes ya que habrá espectáculos para todos los gustos, como se detalla a continuación:

PROGRAMACIÓN

Jueves 5/11

21 hs – Espectáculo de Apertura: “Argentino hasta la muerte”, con Martín Ortiz (Argentina/España)

Viernes 6/11

17 hs – Charla con Javier Tárraga. “Un recorrido propio por la poesía oral, los cuentos populares, los títeres y los espectáculos de calle tradicionales”.

20 hs – Espectáculo “La torre de mentiras y los embusteros sin fin”, con Juan Marcial Moreno (Argentina)

22 hs – Espectáculo “Fragmentos de vidas compartidas”, con Norberto Presta (Italia)

Sábado 7/11

17 hs – Clase magistral a cargo de Luis Felipe Alegre. “Juglaría. Tradición y actualidad”

20 hs – Espectáculo “Mil y un cuentos”, con Ana Padovani (Argentina)

22 hs – Espectáculo “Flor nueva de romances viejos... pero no tanto”, Javier Tárraga (España)

Domingo 8/11

16 a 19:30 hs – Workshop a cargo de Norberto Presta

21 hs – Espectáculo “Bululú”, con Luis Felipe Alegre (España)

Cierre

Festival “Palabra Viva”

Fecha: del 5 al 8 de noviembre

El Crisol: Arismendi 2658, CABA

Espectáculos nacionales: $10

Espectáculo extranjeros: $15

Informes: 011 4523-7605

Correo electrónico: crisolteatro@yahoo.com / crisolteatro@gmail.com

Más información sobre los espectáculos:

Espectáculos participantes

Bululú

Con Luis Felipe Alegre

Un espectáculo de El Silbo Vulnerado.

Bululú es un actor que actúa en solitario, con unos mínimos elementos escénicos: los que caben su maleta.

El repertorio que un Bululú presenta al público, depende de sus habilidades actorales, a veces canta, cuenta cuentos, recita poesía, hace bailar los títeres..., siempre buscando la complicidad de su público, la comunicación inmediata.

En resumen, un bululú es, desde tiempos antiguos, el hombre que cuenta teatralmente historias a otros hombres.

El repertorio elegido irá desde clásicos como el Arcipreste de Hita o Quevedo hasta los actuales Ángel González, García Calvo, Juan Gelman, o Leopoldo María Panero, pasando por cuentos y cantos de la Tradición Oral.

Flor Nueva de Romances Viejos… pero no tanto, tanto

Con Javier Tárraga

Cuenta Javier Tárraga: Mis espectáculos se componen de palabras, canciones, recitados, improvisaciones... y tonterías. Excepto el texto de los romances, nunca llevo exactamente preparado el contenido de lo que voy a contar, porque generalmente depende de cómo me encuentre y de la conexión con el público. Utilizo los cartelones ilustrados y alguna vez ciertos objetos.

Éste es el repertorio que podría interpretar:

La serrana de la Vera

Conde niño

La infantina encantada

Castilblanco

Juajuá

Rinoceros

Bernal Francés

El veneno de Moriana

Mariana Pineda

El enamorado y la muerte

La doncella guerrera

La pérdida de Alhama

San Antonio y los pajaritos

Morilla de bel catar

Ximena

Jura de Santa Gadea de Burgos

La danza macabra

Argentino Hasta La Muerte

Con Martín Ortiz.

Un espectáculo sobre textos de Cesar Fernández Moreno.

El espectáculo es una “nueva edición” del programa, La Poesía es para todos, que el mismo César Fernández Moreno condujo en los primeros años de la década del 60’ y que, en esta ocasión, está dedicado, precisamente, a su poesía. Así, como un programa radial visual, con tangos interpretados en vivo (“Yira, Yira” y “Uno”, que el poeta cita en el texto) el espectáculo articula algunos poemas del libro Buenos Aires me vas a matar (15 poemas dispuestos a modo de autobiografía).

Comienza con Argentino hasta la muerte a modo de psicoanálisis humorístico de lo argentino. El núcleo central de la obra es el poema Un argentino en Europa, sobre su primer viaje al Viejo Continente realizado en 1955. Acompañan a estos dos poemas, otros más cortos del mismo libro: Las Palabras, un texto metapoético de 1963, y Débil Mujer, poema de desamor.

Argentino hasta la muerte es un espectáculo de Poesía en Escena, de Poesía dramática, que busca promover el reencuentro con la obra de uno de los grandes y olvidados poetas argentinos a veinte años de su desaparición.

Fragmentos de Vidas Compartidas

De y con Norberto Presta.

Un espectáculo del Centro di Prodzione Teatrale Vía Rosse.

Cuenta Norberto Presta: El espejo da una imagen que me mira sin verme porque está pensando en otra cosa, estoy navegando en la historia y me pierdo. Escribo la historia de uno que se mira al espejo y no sabe quién es, la historia de uno que son muchos. Pienso en la Europa en la que vivo desde hace un cuarto de siglo, una sociedad que no se reconoce porque niega el otro, que pierde su identidad porque niega su historia, sus historias, que olvida y se hace sorda, que está cada vez peor porque sin saber ser rica niega su pobreza, porque siendo humanista olvida su solidaridad, su igualdad, su justicia, olvida lo que aprendió por haber sido víctima y victimaria a un tiempo. Olvida.

Yo que nací en Argentina, que antes de ser italiano fui clandestino en Italia, fui clandestino en Alemania, yo que hoy soy un europeo con pasaporte Argentino, un latino americano con pasaporte Italiano, soy argentino por nacimiento, italiano por mi bisabuelo, extracomunitario, clandestino, inmigrante emigrado migratorio migrante por voluntad y natura. ¿Quién soy?

“Fragmentos de vidas compartidas” no nació de un modo premeditado, apareció como una necesidad oculta, una necesidad de reconocerse partiendo de la propia historia y reconociendo al otro, reconociendo al que no conocemos pero en el que nos reconocemos. Reconocer la propia historia en la historia del otro, aún cuando cada uno tiene la suya. Fueron varias historias que escribí, sin premeditar hacer un espectáculo, pero soy teatrante y lo que escribí fue una necesidad que solo como teatrante puedo comunicar, es decir; haciendo pasar ese texto por mi cuerpo, transformándolo en una secuencia de acciones para encontrar una relación emocional, intelectual, sensitiva, física con el público. Puse todas esas historias juntas, las mezclé, se fueron contaminando y fui descubriendo que eran Fragmentos de vidas compartidas.

La Torre de Mentiras y Los Embusteros Sin Fin

Con Juan Marcial Moreno.

Un recorrido sensible, profundo, ameno y con humor por un sendero que nos lleva de visita a cuentos filosóficos de África, Arabia, Tíbet, Bolivia y otras culturas.

Mil y un cuentos

Con Ana Padovani

La actriz despliega su rol de narradora en un abanico de cuentos provenientes de la literatura universal y de la tradición oral que despiertan en el público variadas emociones: la ternura, la reflexión, el suspenso, la sonrisa, la carcajada.

Genera un clima intimista que devuelve a la adultez uno de los mejores momentos de la infancia: disfrutar de los cuentos contados.

La canción, la poesía, la música, la gestualidad, la lectura, la interpretación de los personajes y demás recursos que desenvuelve la protagonista, otorgan a este espectáculo de narración una auténtica dimensión teatral de ricos y variados matices.

El repertorio incluye cuentos de tradición oral y de autores como Roberto Fontanarrosa, Gabriel García Márquez, Niní Marshall, entre otros.

Un párrafo aparte merece la importancia dada a los textos de Niní Marshall de quien Ana Padovani interpreta algunos de sus personajes más emblemáticos, como Catita, Cándida y Mónica. Rinde con ello un homenaje a la inolvidable actriz y expresa su reconocimiento por el apoyo que la propia Niní le infundiera desde el inicio de su carrera.

JORGE MEHAUDY: BENDICIONES DESDE ESTAMBUL Y TETUÁN

2009-11-03T23:27:00.001-03:00

31/10/09 - Música: Jorge Mehaudy en Sala Mediterránea (Ciclo "Aires del Mediterráneo")

Sefarad. La sola palabra ya convoca un gran misterio. Sefarad, sefaradí, sefardí son distintas maneras de decir lo mismo: península ibérica. ¿Quiénes son, entonces, los sefaradíes? Son los judíos expulsados de España, junto con los árabes, en 1492. Muchos de ellos se afincaron en Estambul (Turquía) y conservaron allí lo poco (lo mucho) que se pudieron llevar: las llaves de sus casas, sus costumbres y su idioma. Pero aquel bello castellano antiguo se infundió de nuevos sonidos al contacto con los dialectos lugareños y dio lugar al ladino, también llamado judeoespañol o judezmo. Los judíos que se afincaron en Tetuán (Marruecos) desarrollaron también otra variante, más influida por el árabe: el haketía.

En estos dos bellos lenguajes el cantautor Jorge Mehaudy despliega una selección de canciones clásicas y de su autoría que pueden verse y escucharse en el ciclo “Aires del Mediterráneo”, una idea para aplaudir de pie. En la intimista Sala Mediterránea, del barrio de Abasto, se está llevando a cabo este ciclo que no sólo lo tiene a Mehaudy como uno de sus animadores sino que contó y contará también con exponentes del fado, el flamenco y la canzonetta napolitana.

Pero Mehaudy no sólo ofrece sus canciones sino que tiene el tino de hacer una breve introducción a cada una de ellas, contando las circunstancias que rodean a la canción y desplegando así, con gracia y carisma, la particular historia de la comunidad sefaradí, sus costumbres, sus anhelos, sus bendiciones. Y en su música se despliegan, verdaderamente, todos los aires del Mediterráneo: resuenan de pronto guitarras con un pronunciado dejo flamenco, estallan las melodías más cautivantes del Oriente, se deja incluso caer una melancolía casi tanguera. En una hora de espectáculo se tiene el placer de viajar hacia confines plenos de misticismo y poesía sin moverse siquiera de la silla, montados en la alfombra mágica de la música, la cálida voz de Mehaudy y los cantes sefaradíes.

Mehaudy, que además de ingeniero, musicalizó shows televisivos y espectáculos para niños, comenzó a investigar hace algunos años su genealogía y sus raíces. A partir de allí decidió revitalizar e inyectarles nueva vida a canciones como “A la una yo nasí” o “Buena semana”, y conformar un espectáculo que rescata no sólo la cultura de un pueblo sino la memoria de un idioma tan cercano, y tan lejano a la vez, al nuestro, donde se adivinan los ayes de las jaryas mozárabes y el salero de los romances, canciones y letrillas de la Edad Media española.

Entre otros temas, el pasado sábado, a pesar de la lluvia y las consecuentes molestias, pudieron escucharse “Bre Sarika”, “Tres ermanikas”, “Kafé d’amaneser” y “Blanka i Blanka”, tema de su autoría que fue finalista en el Festiladino de Jerusalén en el 2006. Estas y otras composiciones conforman, además, su CD “Sefarad – Kantes y tanyres”, editado en el 2008. Acompañado por Diego Mano en teclados y por Luciano Bertoluzzi en cajón y derbake, Jorge Mehaudy con “De Tetuán y Estambul” logra una perfecta amalgama que cautiva el corazón y eleva el alma hacia los más exquisitos ensueños.

Links de interés:

Página personal de Jorge Mehaudy

Programación completa de "Aires Mediterráneos"

Crítica en ANSud

SALTO Y NO ME CAIGO

2009-11-02T23:15:00.001-03:00

30/10/09 - Teatro: La última vez (que me tiré a un precipicio) (Almeida-Lewis)

Una clown, una cornisa, una valija, un espejo mágico, un banco de plaza, una pierna que no quiere seguir los movimientos de la otra y se queja como un cachorrito, y sueños, sueños desbocados, desmesurados, aparentemente imposibles pero terriblemente humanos: ésos son los elementos principales de “La última vez (que me tiré a un precipio)”, obra de Vicky Almeida y George Lewis (con la colaboración dramatúrgica y dirección de Mario Luis Marino), estrenada en El Piccolino el pasado 16 de octubre. A esos mínimos pero esenciales elementos se le suman: el despliegue de la tecnología, con films y animaciones, el despliegue musical, con la hermosa y prístina voz de la misma Almeida (quien perteneciera al grupo Los Twist), y el vestuario adecuado para un personaje de esas características: ingenuo, sincero, adorable pero un pelín ridículo, un pelín patético.

Una clown, con su roja nariz de payaso, con su vestidito negro y blanco, sus zapatitos también rojos y su temor al vacío. No sólo al que le ofrece el de la cornisa, si no al otro —al peor— al existencial. Una clown que se pregunta, ceceosa, indecisa, al borde mismo del colapso nervioso, “yo, ¿quién soy?”. Y una serie de monólogos al borde mismo de otros tantos precipios intentarán dar la (alguna) respuesta. Cada vez que la clown está a punto de arrojarse, cae en un ensueño del que procura extraer la sabiduría, la clave. Y cada vez reaparece en el mismo punto (al menos, en apariencia) diciéndose a sí misma “tengo que entrar en razón”. Pero ¿cómo se entra en razón? ¿Se entra alguna vez?

Porque cada vez que se intenta entrar en razón, se está más lejos de ella. Los otros están siempre distantes y no contestan ni a las preguntas más triviales. Y se alejan, impasibles. Las cosas permanecen en su mutismo insondable, nada hay donde posar los ojos sin inquietud. Cada vez que se ensaya una posible respuesta se vuelve al mismo punto de desolación, locura y soledad. La clown parece preguntarse no ya dónde está la salida de la vida si no ¿dónde está la entrada?

Así, la obra maneja los tiempos y las sutilidades con una presteza envidiable. La actuación de Almeida sobrepasa a cualquier espectador y sorprende con su gran ductilidad, que dota al personaje de los matices precisos. La música siempre acompaña en el tono justo, en el momento apropiado, con los crescendos necesarios. Las proyecciones ambientan de inmediato al espectador: con sencillez, con calidez, con un minimalismo bien entendido rápidamente estamos ora en la cornisa, ora en la solitaria plaza de la desdicha. Y se cae tanto en la carcajada como en la reflexión más profunda con la misma bienvenida facilidad y gracia.

Por si todo esto fuera poco, la espléndida voz de Vicky Almeida, que sólo se muestra en todo su esplendor hacia el final de la obra, corona un espectáculo que deja no sólo los interrogantes existenciales que todos nos hacemos impresos a fuego en la retina, sino también un mensaje esperanzador y confiado, cifrado en la melodía y en la letra del tema final: “ya no hay heridas en esta vida / lo que quería / era una vida / que fuera mía”. Un espectáculo multidisciplinario para no perderse ni un minuto más.

Funciones: viernes a las 23hs

Teatro El Piccolino: Fitz Roy 2056

Informes: 4779-0353

Entradas: $30

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Alternativa Teatral

Sitio personal de Victoria Almeida

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LA FIESTA DE LOS OTROS

2009-10-27T00:03:00.000-03:00

25/10/09 - Teatro / Danza: Muaré (Quesada-López)

El cruce —y hasta el borramiento— entre géneros es moneda corriente en la escena teatral contemporánea. Sin embargo, en ocasiones se tiene la sensación de que las diversas mixturas necesitaran todavía una horneada más, una vueltita de tuerca más que las eleve hasta el punto que sin duda podrían alcanzar. En el caso de Muaré, obra que mezcla de danza y teatro, estrenada ayer en el Camarín de las Musas, dirigida e interpretada por Natalia López (protagonista de La prótesis, de Martín Kahan) y Marina Quesada, la balanza se inclina más favorablemente hacia la danza que hacia la parte teatral.

Si la expresión corporal gana por lejos no es que la parte teatral no esté a la altura sino que tiene un basamento no todo lo firme que la profundidad del tema exhibido requiere: dos mujeres entran y salen (o bien, nunca llegan realmente a “entrar”) de una fiesta, la fiesta de los otros, la fiesta de los que pertenecen y no tienen problemas de identidad. Dos mujeres vestidas con una estética símil muñeca Barbie (vestidos de raso cortitos y con volados) procuran no perderse lo que pasa del otro lado de una misteriosa puerta que se abre sólo para dejar entrar el bochinche, la música, la fiesta, el carnaval del mundo. Tanto procuran no perdérselo como lo temen. Una puerta que se abre para que el cotillón y la diversión se les imprima en plena cara.

Sin embargo, el espectador no comprende rápidamente lo que sucede. No tiene demasiadas pistas y esto lo obliga a ciertas deducciones para empezar a comprender de qué se trata: las dos mujeres están en el cuarto donde los otros, los que sí están en la fiesta, han dejado sus abrigos —y hasta se parapetan detrás de ellos. Sus movimientos erráticos, agónicos, casi epilépticos connotan esa imposibilidad de pertenencia que las hace entrar y salir del cuarto con resultados cada vez más aterradores o desalentadores.

En este punto, un texto más jugado narrativa y dramáticamente hablando hubiera jugado, sin duda, a favor de la comprensión del espectador y hubiera logrado una mixtura más adecuada entre la parte performática y la teatral. Sin embargo, el momento más logrado de la obra es justamente el más vinculado a la danza: entre una y otra inmersión en el ruido glamoroso de la fiesta se produce lo que podríamos llamar un cambio de escena (o mejor aún, de estado) y las protagonistas aparecen en una marea (literalmente) de nylon cristal. Con maillots y gorras para nadar intentan liberarse ¿o asirse aún más? de ese maremágnum de plástico que las rodea y envuelve, y así danzan, giran, se contorsionan, se repelen, se buscan, se retuercen en una suerte de metamorfosis que paradójicamente las devuelve a su mismo estado inicial, una vez que han logrado salir de la crisálida transparente.

Párrafo aparte merece sin duda la musicalización de la obra, uno de los puntos más altos, responsabilidad de Jorge Grela, con Darío Lipovich como músico invitado. Climas perfectamente logrados, sugestivos y acordes a lo que se quiere transmitir refuerzan aquellos puntos no tan fuertes de la puesta. Muy lograda también la escenografía, con un interesante juego de luces a través de paredes de papel que reproducen el efecto “muaré”, efecto que consiste en la aparición de “aguas” o líneas verticales no deseadas en un patrón de líneas horizontales que se superponen.

Paredes tan frágiles, quizás, pero tan fuertes, como las que nos separan del mundo, que “es siempre de los otros” en palabras de Clarice Lispector, fuente de inspiración de esta obra.

Funciones: domingos, 21:30 hs.

Camarín de las Musas

Mario Bravo 960

Reservas: 4862- 0655

Entradas $ 30 (jub. y est. $ 20

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LANZAMIENTO OFICIAL DEL FESTIVAL CERVANTINO DE AZUL 2009

2009-10-08T23:44:00.002-03:00

08/10/09 - Conferencia de prensa: III Festival Cervantino de Azul (Casa de la Provincia de Buenos Aires)

Hoy se realizó, en la Casa de la Provincia de Buenos Aires, el lanzamiento oficial del III Festival Cervantino de la ciudad de Azul, declarada “ciudad cervantina” en el 2007, en virtud de poseer una de las mayores colecciones de ediciones del Quijote en el mundo. La inmortal obra cervantina, fundadora de la novela y la literatura modernas, es el eje sobre el cual girarán las numerosas actividades, jornadas, eventos y atracciones que tendrán lugar entre el 5 y el 15 de noviembre próximos en la ciudad azuleña, situada en el centro de la provincia de Buenos Aires.

De la conferencia de prensa brindada en la ocasión, en la que se proyectó un video que sintetiza el espíritu y el recorrido del festival, participaron: el presidente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, licenciado Juan Carlos D’Amico; el director ejecutivo del mismo Instituto, doctor Sebastián Berardi; el intendente municipal de Azul, doctor Omar A. Duclós; el Agregado Cultural de España, Antonio Prats Marí; el director de la Casa de la Provincia de Buenos Aires, Rodolfo J. Valenta y el representante del Comité Organizador del festival, licenciado Luis María Lafosse.

En la conferencia se dejó en claro el enorme esfuerzo y el gran desafío que representó y representa para la ciudad de Azul el hecho de haber recibido tan enorme distinción para el mundo de la cultura y las letras. Quedó en claro también que el patrimonio cultural de una ciudad o una nación no es solamente unos vetustos libros apilados en un estante o grandilocuentes palabras, sino que puede convertirse en algo dinámico y participativo si la comunidad y las autoridades ponen su empeño en ello.

Así lo hace presuponer (y lo demostrará) el amplio programa de actividades a desarrollar en el festival, que incluirá:

- música (con la presencia de, entre otros, Árbol, Fulanas Trío, Tuba Tango, Don Vilanova, Musa Rea, Los Descontrolados de Barracas, Juan Bonaudi y Flopa);

- teatro (podrán verse obras como “Ala de criados” de Mauricio Kartún; “Quien lo probó lo sabe” de Mariano Moro y “Como quien oye llover” de Juan Pablo Geretto, entre otras, y estará presente la Escuela de Espectadores de Jorge Dubatti);

- literatura (se celebrarán las II Jornadas Cervantinas Internacionales, presididas por el doctor Carlos Alvar, con la presencia de eruditos y académicos como José Manuel Lucía Megías y Melchora Romanos).

- Plaza Don Quijote -

Asimismo, habrá muestras fotográficas, de artesanías, danzas, proyección de películas, eventos deportivos y educativos para los más chiquitos, quienes ya cuentan con su propio Quijote: la prestigiosa editorial Alfaguara ha publicado ya la segunda parte de Las aventuras de don Quijote de la Mancha y de su escudero Sancho Panza – Un Quijote para niños ilustrado por niños. En esta adaptación de Margarita Ferrer y José Manuel Lucía Megías participaron niños de entre seis y doce años que ilustraron diferentes escenas del clásico de todos los clásicos literario.

Como se declara en la carta de intención difundida por los organizadores del festival, “esta nueva edición se presenta bajo el lema: “La diversidad cultural latinoamericana y sus diferentes expresiones”, partiendo de la idea de que no existe una única y estandarizada cultura sino procesos de hibridación donde se generan múltiples interacciones entre diferentes grupos sociales. Conocer la diversidad nos permite repensar nuestra identidad como latinoamericanos.

En este marco, se invitó a presentar propuestas originales y creativas y más de 80 fueron seleccionadas para este Festival Cervantino que pondrá en escena danzas, teatro, cine, música, literatura, fotografía, deportes, gastronomía, turismo, artes plásticas, talleres y diseño.”
Cabe destacar que, como bien apuntó el intendente de Azul, la ciudad puede ser visitada durante todo el año por su gran atractivo turístico y cultural, pero este festival será la ocasión más propicia para conocerla en toda su multiplicidad y esplendor.

- Plaza central de Azul -

SAER, MALOSETTI & TREMOR EN LA TRASTIENDA

2009-10-08T23:31:00.001-03:00

07/10/09 - Música: Jerónimo Saer, Javier Malosetti y Tremor (La Trastienda)

Ayer por la noche el artista franco-argentino Jerónimo Saer (hijo del reconocido escritor argentino radicado en Francia Juan José Saer) brindó el primer recital de su gira nacional, acompañado por los músicos Javier Malosetti y Tremor (Leonardo Castellani).

En el bello recinto de La Trastienda, unos minutos antes de las 21:30, las luces se apagaron y extraños sonidos inundaron el lugar. Una voz femenina, sampleada y sintetizada, repetía “Llegó la novedad, llegó la novedad…” y no se equivocaba: como un verdadero deus ex machina, se vio la figura, vestida de negro y con un sombrero de ala estilo Dick Tracy, de Jerónimo Saer rodeado de máquinas e instrumentos. La extrañeza continuó cuando comenzó a rappear en francés —pero también en un castellano afrancesado— y luego que el código se hubo establecido (sí, la cosa iba a ser así: un músico y cantante rodeado de máquinas y rappeando y, al parecer, nada más) la extrañeza se convirtió en el más puro deleite sonoro.

Con una trayectoria consolidada en la escena hip hop-funk francesa (integró bandas como Departement E, Foxaphonk y La Rime Team) y un disco solista en su haber (“Machine gum”, editado primeramente en Argentina por el sello Los Años Luz en 2007, y ampliado y reeditado por Stereofiction en noviembre del 2008), el despliegue sonoro de que hace gala Saer sorprende por su variedad, coloratura y frescura. Lejos de la música electrónica convencional, Saer apuesta en grande al mestizaje y la texturización, se entrega a la angustia de las influencias y mezcla sonidos y estilos disímiles, para devolvernos poderosísimas bases de drum n’ bass disparadas desde su PC portable a las que se le van sumando, en diferentes capas, sonidos generados por samplers y secuenciadores, a los que, a su vez, les imprime efectos in vivo y les superpone su propia voz.

Pero no todo son máquinas en la música saeriana: hay lugar también para los pequeños instrumentos que suman una nueva textura, sutil, delicada, en un estallido tonal donde no se le teme, ni por un segundo, a la saturación ni a la sobreexposición. Instrumentos como armónica, pandereta, cornetines y otros elementos de percusión acompañan el mix de “tango, groove cinemático, rock más hip hop-funk electro” (según lo definió la revista Openmag) de Saer.

Pero todo no son máquinas en la música saeriana, bis: promediando el show hicieron su aparición los músicos Javier Malosetti y Tremor (Leonardo Castellani), quienes se acoplaron a la propuesta de Saer con una gran perfección (tan así fue que el mismo Saer comentó “hay equipo acá, eh? hay equipo”) y pusieron toda su destreza y versatilidad musical para potenciar aún más un universo musical definitivamente rico y poderoso. El primer tema ejecutado por el trío fue un tango electrónico funkeado de dulce cadencia, que a su vez fue bailado por una excelente pareja de bailarines. Imposible no reconocer por allí un aire a Bajo Fondo, pero vale también destacar la nota de extrañeza y singularidad que le otorgaba cada músico con su instrumento. Más adelante, Leonardo Castellani dejó la guitarra y se calzó el bombo legüero, y más tarde tocó también la batería.

Esta cronista no pudo dejar de pensar, al ver a Saer rodeado de sus máquinas (las cuales pueden ser muy traicioneras también: hilarante fue el momento en que el escenario quedó completamente a oscuras al comienzo de un tema y Jerónimo exclamó, desesperado: “¡Ay, no veo el botón!”) en la famosa reyerta que años atrás sostuviera el maestro Pappo con DJ Deró, respecto de lo que era —o no era— “tocar” música… ¿Es posible seguir sosteniendo hoy día que sólo se toca música con instrumentos tradicionales cuando la música electrónica, la música por computadora, la música electroacústica o como queramos llamarla, ha avanzado tanto? ¿Es posible seguir pensando que los sonidos pueden provenir sólo de instrumentos tradicionales después de los experimentos sonoros de un John Cage, por citar sólo un ejemplo? Pareciera ser claramente que no, aunque cueste acostumbrarse, y la música de Saer viene a corroborarlo con gran belleza.

Así, lo que había empezado con cierta reticencia, como viendo de qué se trataba, terminó con la gente bailando entre las mesas y con ganas de que hubiera Jerónimo Saer para rato.

Afortunados entonces quienes puedan ir a verlo en las próximas fechas de su gira, que se detallan a continuación:

Mendoza/ Domingo 11 de octubre / junto a Fauna

Córdoba/ Miércoles 14 de octubre / junto a Third World Orchestra, Gustavo Lorenzatti y Fernando Caballero, en el Paseo del Buen Pastor a las 20.30 hs.

Rosario/ Sábado 17 de octubre / junto a Psycho Project, en el Parque España

En Uruguay:

Montevideo/ Martes 20 de octubre / Solo Set en la sala Zavala Muñiz del Teatro Solis a las 20hs.

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Jerónimo Saer en MySpace

Nota en Clarín

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PROHIBIDO REÍR

2009-10-08T22:56:00.005-03:00

02/10/09 - Teatro (unipersonal): La imagen fue un fusil llorando (Molina)

Roberto Arlt (1900-1942) es uno de los autores más importantes de nuestra literatura. Esa escueta descripción, sin embargo, no alcanza a cubrir el amplio rango de temáticas y reflexiones que supo disparar desde sus Aguafuertes porteñas, la columna periodística que lo haría famoso en vida, portento pocas veces visto. Roberto Arlt, con su particular manera de escribir, sus siete locos, su tercer grado de escuela primaria y su apellido imposible de deletrear para las lenguas criollas, supo conquistar a miles de lectores cada día con su columna: lectores que le escribían decenas de cartas y que elevaron, en forma meteórica, la tirada de uno de los diarios más importantes de aquella época.

Nada se escapaba de su pluma irónica, expresionista, salvaje y refinada a la vez. Tampoco el fusilamiento del anarquista Severino Di Giovanni acaecido en los convulsionados años 30. En el aguafuerte “He visto morir” Arlt despliega sus impresiones acerca de este suceso. Ése es el punto de partida elegido por Julio Molina para “La imagen fue un fusil llorando”, una adaptación teatral de dicho texto interpretada magistralmente por Gabriel Fernández, quien ya había caracterizado a Arlt en el programa Algo habrán hecho (Telefé). El texto de Molina, a su vez, pertenece al volumen La carnicería argentina, editado por el Instituto Nacional de Teatro.

La puesta, austera, cuidada, justa, impregna, gracias al juego de luces y sonidos, al espectador en la atmósfera adecuada. Franjas blancas y crudas, junto a opacidades nocturnas y oníricas, tan caras a la estética arltriana. El escritor está solo en su celda —en su cuarto— y su máquina de escribir lo espera. Pero ¿cómo escribir lo que sus ojos han visto? ¿Cómo dar crédito a lo que esos ojos vieron? ¿No sería mejor arrancárselos como Edipo para así ya no soportar el peso de lo que vieron? Sobre estos interrogantes planea el doloroso, poético y singular monólogo-soliloquio de Fernández, cuyos tonos de voz dan siempre con el matiz justo.

La soledad del escritor es extrema, como la del reo que aguarda ser ajusticiado. De ahí la similitud de esa borrosa habitación monacal con una temible celda de penitenciaría de los años 30. Una mesita, una máquina de escribir, una lámpara, un camastro y un espejo. El hombre, de rigurosos traje y corbata, de pelo engominado peinado hacia atrás, va perdiendo la compostura a medida que las horas pasan y no le es posible escribir, contar, narrar, describir aquello que ha visto. Todos sus años de periodismo, de literatura, y hasta su incipiente carrera teatral (en aquel momento Arlt sólo había estrenado las piezas 300 millones y El humillado) no le sirven de nada al ser humano que se ha visto herido en lo más profundo ante lo que él considera es una vil injusticia.

Pero no se trata de reivindicar el anarquismo o los derechos humanos. Se trata de una apuesta mucho más humana y jugada: reivindicar la gesta de un hombre que luchó hasta el final por sus ideales, que gritó “¡viva la anarquía!” antes de ser fusilado, y que se negó a ser vendado, decidido a ver cada detalle de su propia muerte. Es esto lo que el escritor no puede procesar, asimilar: hoy, en esa noche eterna del escribir, no puede cumplir con su oficio de cronista, no puede contar para los demás lo que ha visto, porque lo que ha visto lo ha herido de muerte a él también.

En suma, “La imagen fue un fusil llorando” es una obra que deja el agridulce sabor de las injusticias en el corazón del espectador, pero que también deja la sacra y dura consistencia de las cosas bien hechas en el alma conmocionada por el muy creíble Arlt de Julio Molina y Gabriel Fernández.

Funciones: viernes 22 hs.

Teatro La Carbonera

Balcarce 998

Reservas: 4362 2651

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Alternativa Teatral

Blog de la obra

TRÁGICOS Y EXCÉNTRICOS

2009-09-12T23:58:00.000-03:00

29/08/09 - Teatro: Ala de criados (Kartun)

Enero de 1919: mientras en la capital porteña se desata la famosa “Semana Trágica”, aquella de la huelga de obreros iniciada en los talleres Vasena, en Mar del Plata una familia de la alta aristocracia pasa sus vacaciones veraniegas sin darle, en apariencia, mayor importancia.

En la primera escena de “Ala de criados”, la nueva obra de Mauricio Kartun, quien también la dirige, tres lánguidos jóvenes se asolean en la rocosa costa marplatense. No parecen preocupados más que de banalidades y quien primero habla es Tatana, la hermana menor, recientemente llegada del internado en Suiza: “las metáforas son cosa de putos”, proclama, dando el tono justo no sólo de la obra sino de su personaje, en la magistral actuación de Laura López Moyano. Su primo y su hermano no le prestan demasiada atención, pero en cuanto comienzan a hablar y a gesticular queda también claro el carácter de cada uno: Pedro (interpretado por Alberto Ajaka) es un aspirante a seminarista, siempre recto y contenido, mientras que Emilito (interpretado por Esteban Bigliardi, en una actuación sencillamente descollante) es un joven dilettante, un flojo, un típico “niño bien” porteño, preocupado por nimiedades, al borde mismo de la cobardía y la pusilanimidad.

En este ambiente, con la sangrienta huelga como mar de fondo y la figura omnipresente del “tata” que dirige todos los hilos desde Buenos Aires, aparece un cuarto personaje que introducirá el drama, el amor, la sordidez y el conflicto: Pancho (interpretado por Rodrigo González Garillo) es una suerte de lacayo que duerme en el “ala de criados” sólo porque le prestan allí una habitación y es quien se dedica a lanzar las palomas para que los aburridos snobs se entretengan en el club de tiro a la paloma marplatense. Recio, varonil, un auténtico “guapo”, un personaje típico de la incipiente clase media porteña, esa que no está ni abajo de todo ni tampoco arriba y que para sobrevivir debe recurrir a la “engañifa” y a los peligrosos dobles juegos con unos y otros para salvarse.

La joven Tatana queda impresionada ante este hombre “literal”, que desconoce qué cosa sea una metáfora (aunque sí sabe y practica la engañifa), tan diferente a todo lo que ella ha visto hasta el momento. La tensión sexual entre ambos es clara y contundente desde el primer instante en que se cruzan y es uno de los pivotes en los que la obra se asienta para sostener su dramatismo e interés. Interés que no decae ni por un segundo, a pesar de la longitud de la misma, que rebasa las dos horas de duración: el espectador está siempre atornillado a su butaca, con lo que queda demostrada no sólo la maestría de Kartun como dramaturgo sino también su perfecto conocimiento de los resortes que hacen que las historias avancen y, en este caso, el espectador junto con ellas.

Pero otro de los pivotes sobre los que se asienta la obra es la huelga, la conformación de la Liga Patriótica y de otros grupos de apoyo a las fuerzas del orden que cundieron en aquellos días. En la abulia del verano marplatense, alterada sólo por los suaves disparos (“paff”) a las indefensas palomas, los porteños y Pancho deciden agitar un poco las cosas: ellos por diversión, Pancho por desesperación. Y luego de hacerle la seña convenida a Tatana para que lo vaya a visitar al ala de criados, el pequeño grupo comando conformado por los cuatro, sale a hacer destrozos en lugares como la Biblioteca Juventud Moderna, de donde se llevan como precioso y simbólico botín, entre otras, las tres obras claves de Emile Zola, padre del naturalismo: Naná, La bestia humana y Germinal.

Así, en un ambiente de creciente efervescencia y delirio, quienes eran los débiles, los buenos para nada, los rechazados por inservibles, a los que ni siquiera su apellido de alta alcurnia les permitía ingresar a la Liga Patriótica, terminan siendo los opresores, los dominadores, los auténticos salvajes contra el único que tenían a mano: Pancho, el nadador de dos aguas, el que sólo sabía hacer engañifas, el que debía jugar sus cartas con la mayor astucia posible, el que rogaba a unos y a otros por su salvación sin lograrla.

En resumen, una obra sencillamente magistral que a más de contar con actuaciones brillantes y los toques justos de grotesco y comicidad, revela un fino y delicado trabajo de restauración del lenguaje coloquial porteño de aquel entonces, en el que se mezclaban con total impunidad el inglés, el francés y el criollo más rancio y que es lo que, en opinión de esta cronista, le sirve a Kartun para fundar todo un universo digno de la mayor admiración. Una obra, además, para ayudarnos a pensar por qué hoy estamos como estamos, si aquellos fueron nuestros antepasados.

Funciones: viernes a las 21hs, sábados a las 22.00hs, domingos a las 20hs.
Teatro del Pueblo: Diagonal Roque Sáenz Peña 943
Informes: 4326-3606
Entradas: $40 y $25 a jubilados y estudiantes

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Télam Espectáculos

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LA MAGIA DEL GUITAR CRAFT

2009-09-12T23:34:00.001-03:00

27/08/09 - Música: Círculo de Guitarras de Buenos Aires (Templum)

Quien desee escuchar algo diferente, musicalmente hablando, hará muy bien en ir a la próxima presentación del Círculo de Guitarras de Buenos Aires, si no tuvo la suerte, como esta cronista, de asistir a su última presentación en Templum el jueves 27 de agosto.

El Círculo de Guitarras de Buenos Aires es una agrupación de guitarristas acústicos que se formó en 1994, como el capítulo local de un movimiento musical más grande, iniciado en 1986 por el guitarrista y compositor Robert Fripp, el legendario líder (aunque él no guste de ser llamado así) de King Crimson. Fripp, desde siempre un innovador, no sólo fundó un nuevo concepto musical (el llamado “guitar craft”) sino que también implementó una nueva afinación para dicho instrumento, a través de la cual se consigue simplificar mucho las cosas para los ejecutantes, así como también un sonido muy particular, más “afilado” y que permite registros más amplios, tanto graves como agudos.

Los alumnos de guitar craft de todo el mundo, con sus guitarras acústicas con cuerdas de acero afinadas según la Nueva Afinación Standard (o “New Standard Tunning” en inglés), se nuclean en The League of Crafty Guitarrists, una mega-agrupación musical que ya ha visitado nuestro país en numerosas ocasiones, siempre con Fripp a la cabeza. A su vez, muchos de ellos conforman los distintos “círculos” que hay por el mundo, como el de París, Nueva York, Seattle y Barcelona. En nuestro país, además del de Buenos Aires, existen los círculos de Mendoza y de Rosario. Otras bandas cultoras de guitar craft argentinas son la ya mítica Los Gauchos Alemanes, el guitarrista Fernando Kabusaki, Zum y Big Time (trío conformado por dos de los integrantes del CGBA, Claudio Lafalce y Horacio Pozzo).

El número de integrantes es, como nos comentaron los músicos en un mini-reportaje al terminar el show, variable. En este momento está conformado como sexteto, pero “a principios del año pasado era un noneto. Más o menos la formación va variando de acuerdo a las posibilidades, los proyectos personales y las performances de los integrantes. Y llegamos a ser, en el show más grande que yo recuerdo, veintitrés guitarristas en escena, acá en Templum”.

El show del último jueves comenzó con una “circulación”: la circulación es algo así como el “pase” de una nota de uno a otro músico, completando el semicírculo en el que todos se disponen en el escenario. Es decir, si la primera nota arranca en el músico que está ubicado en el extremo derecho, éste se la “pasará” a quien esté inmediatamente a su lado y así hasta completar la vuelta. Esta forma de tocar requiere de una gran concentración y compenetración de unos músicos con otros: el ambiente intimista y recoleto de Templum es el ideal para poder apreciar esta dinámica grupal bien de cerca. Basta observar con atención cómo los músicos dialogan no sólo a través de las notas sino también a través de los gestos y las señas que se hacen unos a otros.

Luego, el repertorio, que siempre es amplio y variado en cualquier agrupación de guitar craft, ya que la NST permite afrontar cualquier estilo musical con una facilidad mayor que la afinación tradicional, incluyó piezas originales del CGBA, piezas de Fripp, desde luego, y piezas de Piazzolla, Beatles, Bach, Big Time, Frank Zappa (para emoción y delirio de quien esto escribe), temas de película (de “Good-bye Lenin”, específicamente) y una deliciosa versión de un hit de los setenta (reeditado en los ochenta) como “I’m your Venus”. Como los mismos músicos aseveraron, “hacemos de todo un poco, también depende de la época y del arreglo y de la cantidad de personas que seamos, pero puede ir variando”. Vale destacar la absoluta calidez del show, la perfecta dosificación de diferentes ritmos y estilos, la pausada y armónica dulzura de las circulaciones y la grata experiencia que significa ver, al fin, algo distinto, algo que realmente se destaca y que vale la pena ver cuantas veces sea posible. Si bien el CGBA no aspira a la masividad, y su propuesta no pasa precisamente por allí, tienen el buen tino de no aspirar tampoco al elitismo absurdo, de no encerrarse en un cenáculo de “entendidos” y de mantenerse al margen de las bizantinas discusiones acerca de si este tipo de expresiones musicales son sólo aptas para “músicos” o para melómanos. El CGBA es una invitación a la magia del guitar craft y, por sobre todo, un maravilloso convite al disfrute musical que cualquiera puede apreciar.

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Guitar Craft

LOS EXTREMOS DE LA SOLEDAD

2009-09-12T23:24:00.001-03:00

27/08/09 - Teatro / Performance: Solas no más (Acebo, Herrera, Daulte)

“Solas no más” es un espectáculo teatral dirigido por Jorge Acebo y compuesto por dos obras: la performance “No más solas” (de Jorge Acebo y Matías Herrera) y “Dos mujeres” (de Javier Daulte). La performance, breve, que oficia de apertura, realizada por Magalí Moreno, Natalia Pascale y Florencia Noverasco, consiste en un monólogo partido y repartido entre tres personajes: tres mujeres patéticamente solas, cuyas lágrimas de rímmel ya están tatuadas en su piel, que fuman y toman helado a mansalva y que ya no soportan su soledad. En la brevedad de la performance queda claro hasta qué ignominiosos puntos es capaz de llegar una mujer para paliar de algún modo esa situación desesperante.

Pero el camino tomado por las dos protagonistas de la segunda parte del espectáculo, Alejandra y Clara (Gisela Sabatella y Mariela Rodríguez) es aún más extremo. Si bien al comienzo parece más racional, más, si se quiere, “proactivo”, en tanto que en lugar de quedarse tiradas en el sofá comiendo helado y quejándose amargamente, hacen algo, las cosas se les irán de las manos. Un departamento, dos mujeres arreglándose, preparándose para una gran cita. Una cita a ciegas, por medio de un aviso en una revista. En estos tiempos de relaciones descartables y de amor líquido no parece demasiado extraño que la gente pretenda conocerse así. Pero rápidamente se advierte que sí hay algo extraño allí: no esperan a dos hombres, sino que esperan al mismo. Todo ha sido hablado y convenido de antemano y ambas parecen estar de acuerdo en compartir a ese único candidato.

Los preparativos se aceleran, los peinados, los maquillajes, las vestimentas se retocan una y veinte mil veces, pero el timbre no suena. Menos el teléfono. Muy pronto nos damos cuenta de que Alejandra y Clara hace ya demasiado tiempo que están solas y que por eso han aceptado esta oportunidad como su única tabla de salvación. En el medio surgen peleas y rencores de antaño, toda la fragilidad de las relaciones humanas salta a la vista en esa espera interminable del príncipe azul salido de una revista femenina. ¿Llegará o no llegará nunca para estas treintañeras desesperadas?

Cuando ya se dan por vencidas, cuando cada una decide ir a mirar tele o a encerrarse en su habitación, el timbre suena. El revuelo es tal que hasta pierden el control de sus esfínteres. ¡Germán, el príncipe azul, ha llegado! Pero tardan tanto en abrir la puerta que como el sueño que es se ha esfumado. ¿Se ha esfumado? No, no, qué va. Está allí. Bueno, no es exactamente como lo esperaban pero ahí está. En una silla de ruedas, sin poder hablar. Pero es Germán, ¡qué importa!

A partir de ese momento, la comedia dramática o la tragicomedia exhibe momentos de un humor negro y de un patetismo que obliga al espectador a preguntarse de qué demonios se está riendo si lo que está viendo es una de las muestras más grotescas de la debilidad y la desesperación humanas. Sin anticipar el final, puede decirse que los acontecimientos toman un rumbo lógico dentro de la inconexa lógica del devenir de dos mujeres que no pueden más con su soledad, que ya han estado solas antes, que no parece que vayan a dejar de estarlo más adelante y que ven esfumarse, una vez más, la posibilidad de estar, al fin, acompañadas.

El personaje de Clara es, sin duda alguna, el punto más fuerte del espectáculo en tanto representa numerosas tipicidades y estereotipos del mundo femenino reunidos y “remixados”, obteniendo así una mística díficil de superar. La actuación de Matías Herrera como Germán también es digna de destacarse en tanto compone sin caer en la caricatura a un lisiado que apenas puede expresarse a través de gruñidos y vagas señales. El personaje de Alejandra tiene también un momento de honda tensión dramática cuando expresa, con palabras claras y contundentes, todo el hastío de una vida no coronada por el amor de pareja.

En suma, un espectáculo que si bien incursiona en tópicos muchas veces visitados —la crisis de los treinta, la soledad y la soltería femeninas— logra aportar un grado de patetismo y grotesco tal que no sólo arranca carcajadas sino que en medio de ellas deja pensando y reflexionando al espectador, algo muy loable en tiempos donde pensar parece no estar de moda.

Funciones: sábados a las 23 hs.
Teatro Andamio ‘90
Paraná 660
Reservas: 4373-5670

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Alternativa Teatral

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IMÁGENES PAGANAS (O UNA DE VAMPIROS)

2009-09-12T23:15:00.001-03:00

24/08/09 - Teatro: El vampiro (González)

El lunes por la noche se estrenó “El vampiro (relato fantástico en escena)”, espectáculo teatral multidisciplinario inspirado en el relato homónimo del escritor rioplatense Horacio Quiroga (1878-1937). Con las actuaciones de Néstor Ducó (como Guillermo Grant), Pablo Lapadula (como Rosales) y Ailín Salas (como la hija vampiro), y bajo idea, adaptación y dirección general de Eloy González, la obra aspira a entrecruzar diversas disciplinas, como la literatura, el radioteatro, la música, el ilusionismo, el cine y algo que podría denominarse, en opinión de Pablo Capanna, la “ciencia patológica”, en una puesta que saca el máximo partido de las instalaciones en las que se realiza (el bello Palacio Teatro El Victorial) y que obliga al espectador a una nueva experiencia teatral.

“El vampiro”, junto con “El espectro” y otros cuentos de temática similar de Quiroga, constituye uno de los sectores menos frecuentados de su obra. Son relatos tardíos, que versan todos sobre distintos aspectos del cine, una de las pasiones del escritor, famoso por obras maestras como “El almohadón de plumas” o “A la deriva”. En estos cuentos, sin embargo, Quiroga no despliega la misma maestría, ganado acaso por la novedad y la fantasía de los temas que intenta abordar. Tanto en “El espectro” como en “El vampiro”, ambos protagonizados por su alter-ego Guillermo Grant, las figuras que parecen tener vida sólo en la pantalla pasan a tenerla, por misteriosos mecanismos, también fuera de ella. En el caso de “El vampiro” se le imputa dicho “milagro” a los rayos N1, un fabuloso fraude científico de comienzos del siglo XX, ya que dichos rayos, como rápidamente se descubrió, no existieron jamás.

Sin embargo, éste es el punto de partida elegido para desplegar la multiplicidad de efectos e impactos en la obra teatral que nos ocupa. Mientras los espectadores aguardan en el foyer del teatro-palacio y la melodía de “Moon river” suena y resuena una y otra vez (primero cantada por Frank Sinatra, luego por Louis Armstrong, y también por Luciano Pavarotti), de pronto las luces se apagan y por la puerta que da a la calle, entra un hombre abatido. Allí, aunque no lo parezca, ha comenzado la función. Apelando al relato en off, a la manera de un radioteatro, y mechándolo con la impecable actuación de Néstor Ducó (quien posee, además, una voz inigualable y perfecta para el personaje de Grant), comienza a desplegarse el texto de Quiroga, que a la vez va siendo actuado y puesto en escena de infinitas formas.

Así, cuando Grant se encuentra en el cine con el extraño señor Rosales, ya todo el público está cómodamente sentado en las butacas del teatro, mágicamente convertido en cine, y está viendo, como los personajes de la obra, una película (película filmada expresamente a partir del mismo motivo del cuento). La duplicidad de efectos y refracciones, tan cara a las pseudociencias y a la imaginería de un escritor como Horacio Quiroga, fuertemente influido por su maestro Leopoldo Lugones, se representa así a través de la doble asistencia del público a tanto una puesta teatral cuanto a la exhibición de un film.

Vale la pena destacar también, en la misma línea, la lograda conjunción de efectos especiales y proyecciones de video para darle “vida” a la criatura extraída por Rosales del celuloide, la misma que dice haber reconocido a Grant por haberlo visto ya tantas veces “del otro lado de la pantalla”, en la sala de los cines donde se daban sus películas. Con un gran despliegue escénico y técnico se logra un montaje que recuerda lo que varios años después de Quiroga haría Adolfo Bioy Casares en su novela La invención de Morel. Pero esta fascinación de los hombres por las criaturas irreales, o fantasmagóricas o, si se quiere, más reales que la propia realidad (todo depende del punto de vista adoptado) habrán de salirles muy caro, como lo demuestra el propio cuento de Quiroga y todas aquellas obras donde la faz prometeica del hombre asoma.

Vale destacar la participación especial de Graciela Borges como la voz en off de la madre vampiro y la excelente selección de diversos pasajes pianísticos de Fredéric Chopin para darle los toques exactos a cada escena: intriga, vértigo, temor, emoción, suspenso, todos en fina concordancia con la obra y la ambientación del lugar.

Teatro Palacio El Victorial: Piedras 720
Funciones: lunes a las 21hs.
Informes: 4545-099 / elvampirodehoracioquiroga@gmail.com
Entradas: $20. Con reservas: $15.

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Agenda Ñ

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A FAVOR DEL DESEO

2009-09-12T23:02:00.000-03:00

23/08/09 - Teatro: Las González (Sacoccia)

En este domingo soleado y ya primaveral se realizó la función de prensa de “Las González”, obra de Hugo Sacoccia, con dirección de Néstor Romero y las actuaciones (verdaderamente estelares) de Catalina Speroni (Blanca), Ana María Castel (Porota), Cecilia Cenci (Rita) y Ángela Ragno (Genoveva). Como el mismo autor de la obra señala, se trata de un “homenaje a la mujer de todos los tiempos, esa que los pueblos de todas las razas acallaron por temor a su poder natural”. Pero no es sólo eso sino también una declaración, una carta abierta, un manifiesto teatral y poético a favor del deseo.

El deseo (no sólo sexual sino el deseo entendido en su máxima expresión), ese cuco que gobiernos, preceptos y religiones quieren hundir, esconder, acallar y maniatar. El deseo, el motor que mueve a los seres humanos, el que les permite levantarse de la cama cada mañana y enfrentar lo que sea. El deseo, ese peligroso animal que anida en los corazones y que se multiplica y ofrenda sus primicias con todo candor cuando es una mujer la que lo esgrime. Cuán escandaloso no será, entonces, para las mentes bienpensantes, cuando se trata del deseo de una mujer mayor. Una mujer que ya debería estar “retirada” por no poder ser ya más el recipiente de la creación y su guía. Una mujer que ya debería estar recluida en la oscuridad de sus aposentos, dedicada a labores fútiles hasta que la mano piadosa de la muerte se la lleve.

Pero no. No será así para la mayor de las González, cuatro hermanas que residen en algún perdido y típico pueblo del interior de la provincia de Buenos Aires, uno de esos pueblos donde todos se conocen y donde todos se espían y se envidian mutuamente, un pueblo salido de las páginas de una novela de Manuel Puig. Donde se tejen y destejen soterradas pasiones y donde no está bien visto que una mujer mayor tenga deseos y los cumpla. El comportamiento franco y abierto, libre de prejuicios de Genoveva, la mayor de las González, sumerge a las otras tres en un torbellino de cambios que apenas pueden procesar.

Las dos hermanas del medio (Blanca y Porota) se resisten a todo cimbronazo de su status quo y pretenden ponerle fin a la conducta “descocada” y “libertina” de Genoveva. Conducta que pone en peligro no sólo sus cimientos morales y sus nociones acerca de lo que una mujer debe ser, sino también su futuro económico, algo que las preocupa quizá mucho más que lo anterior. Ciegas a su propio deseo sólo pueden atacar el problema pensando que Genoveva ha enloquecido o que tiene una seria enfermedad.

Será Rita, la menor de las González, la que primero comprenda y realice el cambio de actitud necesario para poder ella misma comenzar una nueva vida a la par de la que ya lleva su hermana mayor. Es de destacar el excelente trabajo actoral de Cecilia Cenci, quien logra darle el toque de candor, dulzura e inexperiencia ajustados a un personaje que se desliza por una fina línea, entre la eterna niña y la mujer que todavía no puede ser, pero que gracias a la luz que emana de su hermana mayor logra dar los primeros pasos hacia su propio deseo.

Con diálogos desopilantes, situaciones de alto vuelo humorístico y actuaciones deslumbrantes (en especial, la de Catalina Speroni) se va desenvolviendo una trama bien llevada, deliciosa y amena por igual. El estoicismo aprendido, la servilidad frente al hombre, los deseos ocultos y reprimidos, el chismorreo descontrolado, la pacatería, la resignación, el olvido, los amores frustrados y la vida vegetal que llevaban esas tres mujeres sometidas a la ausente (pero igualmente presente) figura de un padre rector, se van derritiendo al calor de las nuevas experiencias de Genoveva, producto todas de su “entrenamiento de la actitud” y de su hermosa búsqueda en pos de lo único que vale la pena buscar en este y en todos los mundos posibles: la ternura.

Funciones: domingos a las 19 hs
Teatro del Pueblo: Roque Sáenz Peña 943
Informes: 4326-3606
Entrada: $30

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Entrevista a Hugo Sacoccia

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TODO GRIS CON UNA LÍNEA NEGRA EN EL MEDIO

2009-09-12T22:45:00.000-03:00

16/08/09 - Teatro: Tiempo atrás ellas también habían tropezado (Tale)

Ayer, domingo 16 de agosto, se estrenó Tiempo atrás ellas también habían tropezado, de Susana Tale, con dirección de Alejandro Vizzotti y la actuación de Carina Conti, Claudia Mac Auliffe y Sonia Novello. Tres mujeres solas, hablando cada cual su propio idioma, creyendo que se escuchan unas a otras pero en el más absoluto aislamiento (el peor de todos, el emocional) conviven en una casa a la que, al parecer, acaban de mudarse. Todas tienen una pena de amor y todas recuerdan un beso, un beso especial, único e imposible, el mismo que las mantiene de pie y les permite cumplir con sus tareas diarias (“a dormir”, “a levantarse”, “a comer”). Está la que declara abiertamente que usa a los hombres y sólo quiere sus “fluidos”; está la que habla con una máscara, la misma que sueña con sus hombres colgados de la soga como si fueran ropa recién lavada y ella debe escoger cuál ponerse (fatalmente elige a los que la “dejaron sola”); y está la que habla con un traje de hombre vacío, que también cuelga como los hombres del sueño de la otra. Las tres se lamentan, las tres padecen, las tres se pliegan a las locuras de las demás, pero las tres están irremediablemente solas y queda flotando la duda acerca de si el hombre por el cual todas penan no es, acaso, el mismo. “Si un monstruo parece un monstruo, entonces es un monstruo”. Y el monstruo no es aquí el amor o la pasión sino la soledad, la vejez, el inexorable paso del tiempo. El verdadero monstruo es la imposibilidad de toda comunicación, que queda patentizada en esos imposibles diálogos entre ellas mismas y en su relación con la máscara o el traje masculino.

Para lograr que ese monstruo asome su horrible cabeza la obra se vale de varias instancias: la vestimenta de las tres protagonistas es igual y sólo varía en su color (primero un look muy ochentoso, luego se ponen unos vestidos muy años cuarenta); sus constante ir y venir entre cajas, papeles y el desorden propio de una mudanza reciente; la inquietante coreografía (inquietante por lo triste, por lo ridículo, por lo patético) que se superpone a un tema musical que, a priori, no parecería propicio para ser bailado como “Paradise city” de Guns N’ Roses; y, por último, el pivote sobre el que gira toda la obra, que es la fragmentación y la disolución constante. Quien espere una obra teatral estructurada de forma más o menos clásica y con una ilación narrativa lineal, se verá defraudado, puesto que la estética elegida es otra: son retazos, franjas, tiras que conforman un gran collage y que se arma en forma algo tortuosa en la cabeza del espectador.

Vale destacar que a pesar de los nervios propios del estreno y de un pequeño retraso, las actuaciones, una vez que las actrices se soltaron, sobresalieron por su calidad y si hay que hacer notar algo es que en un pasaje el ruido de las sillas y la mesa corriéndose taparon los parlamentos. Sin duda, una obra para ver y asistir a otra manera de presentar la triste realidad de incomunicación, insatisfacción e infatuación en la que estamos todos inmersos.

Funciones: domingos, 21 hs.

Teatro Del Borde
Chile 630 San Telmo
Reservas: 4300-6201
Entrada: $ 30 (jub. y est.: $ 20).

Duración: 50 minutos.

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RESISTIR CON TODO EN CONTRA

2009-09-12T22:27:00.000-03:00

05/07/09 - Teatro (unipersonal): Mi nombre es Rachel Corrie (Rickman, Viner)

Resistió con todo en contra. Eso hizo Rachel Corrie, la joven pacifista norteamericana, aplastada en 2003 por una topadora del ejército israelí durante un acto de resistencia no violenta en la franja de Gaza. Porque era linda, porque era rubia, porque era norteamericana, porque sencillamente el status quo dice que no debía estar allí. Ella debía estar en su pueblito natal, Olympia, estudiando en la universidad estatal, escribiendo para algún periodicucho, juntándose con otros vacuos jóvenes de su edad. Pero no. Rachel no.

Su espíritu indomable, invencible, irreductible la llevó a asomar su nariz más allá de los encorsetados límites que conocía. Nómade, rebelde, “quilombera”, Rachel Corrie salió a comerse crudo el mundo y el mundo se la comió a ella, con su notoria y deleznable indiferencia. Y, precisamente, si algo no se puede hacer es permanecer indiferente frente a esta obra teatral (Mi nombre es Rachel Corrie, protagonizada por Constanza Peterlini, dirigida por Agustín Rafael Martínez, con música de Emanuel Brusa y esculturas de Nicolás Bai), que conmueve hasta las fibras más hondas y que demuestra cuánta poesía puede haber en una vida. Mientras otros ponen, con infinita paciencia y resolución, con timidez a veces y con arrebato otras, por escrito sus versos, Rachel decidió que iba a escribir su caudaloso poema, su dolorosa diatriba con su propia vida.

Entonces, del maravilloso caos de sus escritos (artículos, diarios íntimos y, sobre todo, sus cartas) nace esta obra, gracia al trabajo realizado por Alan Rickman y Katherine Viner sobre los textos originales de Rachel. El resultado es una catarata whitmaniana de belleza, indignación, dolor y desgarro, pero sobre todo de una poesía inefable que conmueve a los corazones más anquilosados y, además, llama —constante, apremiantemente— a la acción. Y si no a la acción, pues timoratos, cobardes y asustadizos hay y habrá siempre, a la reflexión, a la detenida contemplación de los dilemas éticos y morales que se plantean detrás de un conflicto bélico que no parece tener fin.

La brillante actuación de Constanza Peterlini como Rachel da vida a un personaje que de por sí era la viva encarnación del fuego, del impulso y del horror ante cualquier injusticia. Con un aceitadísimo manejo de los tonos de su voz, la actriz logra no sólo encarnar perfectamente a Rachel sino también traer al escenario a la madre y al padre de ésta, presentes a través de sus cartas. Peterlini también logra corporizar, gracias a la perfecta conjunción de los juegos de luces, engarzados con una serie de esculturas alusivas a la obra que desfilan por delante de los espectadores (como en un caleidoscopio o una linterna mágica), a los sueños, deseos, viajes y recuerdos de Rachel. Todos los momentos clave de una existencia corta, pero mucho más intensa que otras tantas vidas juntas, aparecen metaforizados en luces y sombras allí.

Rachel Corrie era un espíritu poético puro: la poesía es rebelión, resistencia, es decir “no” a las injusticias que nos inflinge el mundo. La poesía es por eso mismo tan necesaria en un lugar que todo el tiempo se empeña en hacernos olvidar cuál es nuestra esencia verdadera, que no es otra que la de la intrínseca bondad humana. Esa misma bondad que Rachel termina cuestionándose amargamente al promediar la obra.

Como a su compatriota Walt Whitman, nada le es indiferente a Rachel y aunque siempre se sienta una “anormal” o una “ingenua”, y nunca se encuentre bien en ningún lugar, sus ideales, sus sueños, sus deseos no permitirán que descanse un sólo segundo si hay alguien sufriendo cerca suyo. Saberse llena de privilegios en un mundo donde muchos no saben si el techo de su casa permanecerá sobre sus cabezas un día más o se desplomará producto de una explosión, la llena de ira y vergüenza, y es esa misma bronca la que viene a decirnos, a increparnos, a preguntarnos qué demonios estamos haciendo nosotros ahí sentados, por qué permitimos que eso pase, por qué estamos dejando que el mundo sea tan horrible cuando puede ser tan hermoso.

Mi nombre es Rachel Corrie es una obra para ver —en el sentido más amplio del término— libre de todo prejuicio, abiertos a toda su torrencial y maravillosa poesía. Es una obra para emocionarse hasta lo indecible y aplaudir de pie. Y baste, como muestra de su pensamiento, este fragmento de su “diatriba”:

“Espero ver más y más personas dispuestas a oponerse a la dirección en que el mundo se mueve: una dirección donde nuestras experiencias personales son irrelevantes, donde somos defectuosos, donde nuestras comunidades no son importantes, donde no tenemos poder, donde el futuro está determinado, y donde el más alto nivel de humanidad se expresa a través de lo que elegimos comprar en el shoping.”

Teatro Payró - San Martín 766
Reservas al 4312 5922
Entrada: $30 (Estudiantes y Jubilados $15)
Viernes 22 hs. (a partir del viernes 17/07)

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Página de la obra

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LA POESÍA DANZANTE DE LA BAHÍA DE SAN FRANCISCO

2009-09-12T22:11:00.000-03:00

24/05/09 - Teatro / Danza: La bahía de San Francisco (Gandini-Acuña)

La posmodernidad plantea desafíos en todos los órdenes del quehacer humano. En la esfera del arte ha producido numerosos cimbronazos, aunque aún estemos aguardando algo que realmente sacuda los cimientos hasta el fondo. Mientras esperamos, en tensa calma, que eso suceda, las ruedas inconmovibles de la creación siguen rodando y así surgen obras que, sin ser peyorativos, podríamos llamar “híbridas”, en tanto en ellas se entrecruzan o amalgaman diversos géneros sin que —todavía— nazca algo completamente nuevo.

Ése es el caso de “La bahía de San Francisco”, puesta teatral / escenificación poética / ensayo coreográfico basado en tan sólo una escena de la película Vértigo del gran Alfred Hitchcock. Subyugados por la incontenible poesía de la escena, en la que Kim Novak (Madelaine) se arroja a las danzantes aguas de la bahía simulando su suicidio, los bailarines, coreógrafos y también directores de la puesta, Luciana Acuña y Fabián Gandini, ponen en juego numerosas tramas genéricas y discursivas.

En este sentido, la obra parte de una obra anterior, la película de Hitchcock y, más acotadamente, de una única escena, pero nada se sabe acerca de las escenas previas, ni del desarrollo general del argumento de la película, ni tan siquiera cómo termina o qué pasa después de que James Stewart (Scotty) rescata a Novak. A partir de allí, Acuña-Gandini despliegan una serie de cuadros escénicos en los que el espectador asiste, aunque al comienzo no lo sabe con certeza, a los ensayos (y hasta podría decirse que a los ensayos de los ensayos) de una futura obra que, en rigor de verdad, nunca llega a estrenarse o, mejor aún, se estrena en la mente del espectador al rememorar la obra completa.

Sostenidos en ese eje, los protagonistas se presentan ante el público vestidos con enteritos de neopreno en un escenario vacío, rematado con tres sillas, dos relojes que misteriosamente marcan la misma hora, y una laptop en un costado. Con el transcurrir de la obra, se verá que el escenario no estaba tan vacío como al principio se creía, que las sillas tienen una razón de ser y que los dos relojes también cumplen una función primordial, así como la cortina que hacia el final se correrá para dejar ver la bahía de San Francisco en su plenitud.

Sin embargo, si algo caracteriza a la obra es el quiebre casi constante de la ilusión dramática llevado hasta el punto de verbalizarlo en uno de los apartes culminantes. Más todavía, habría que decir que así como no hay trama (o, mejor dicho, la trama es simplemente la representación de una representación) tampoco hay demasiados diálogos, lo que se complejiza con unos cuantos apartes que procuran hacer caer las barreras, tirar abajo la “cuarta pared” que toda obra de teatro se obstina en respetar. Pero, al mismo tiempo, la obra lleva a escena uno de los ejercicios más célebres de la técnica teatral (aquel en el que un actor podía decir “buenas tardes” en por lo menos una veintena de inflexiones diferentes) en un doble juego especular: por un lado, el teatro dentro del teatro y, por otro, los diferentes ángulos desde los que, en este caso, puede ser vista una misma escena (como cuando repiten la coreografía con los ojos cerrados). O, si se quiere, extendiendo el paralelo hacia otra esfera del arte, la música, se trata de variaciones atonales y desacompasadas, mas no por ello menos logradas, de un mismo tema (una misma escena, más todavía: unos cuantos fotogramas).

Vale destacar el intenso trabajo coreográfico de ambos actores-bailarines, en especial de Luciana Acuña, y los momentos de comicidad no buscada que el ensayar y repetir una y otra vez “lo mismo” producen en escena. En resumen, se trata de una obra que hace una fuerte apuesta por el quiebre de los lineamientos clásicos en pos de un rupturismo que todavía no ha dado sus mejores frutos pero que, sin duda, vale la pena sondear con espíritu y ojos bien abiertos.

Funciones: domingos, 21 hs.
Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

Reservas: 4862-0655
Entradas: $30 jub. y est. $15

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La Nación - Espectáculos

Alternativa Teatral

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ESPERANDO AL POCHO

2009-09-12T22:00:00.000-03:00

17/04/09 - Teatro: Nada te turbe, nada te espante (Manso)

Alguna vez habrá que hacer una rigurosa revisión de la iconografía peronista en nuestro país. Más específicamente, de los mitos que sus figuras faro (Perón y Evita) generaron consciente o inconscientemente. Muchas obras literarias pueden entregarnos numerosas claves en este sentido.

Si en la novela Los reventados de Jorge Asís un grupo de hombres esperaba la vuelta de Perón fabricando posters para vender en los alrededores de Ezeiza (creyendo además salvarse con ese gran “negocio”), en “Nada te turbe, nada te espante”, obra de teatro escrita por Diego Manso y dirigida por Pablo Rotemberg, estrenada el pasado viernes 17 en el Camarín de las Musas, es un grupo de mujeres (interpretadas por Débora Dejtiar, Laura López Moyano y Viviana Vázquez) el que espera el mismo acontecimiento, pero de una manera muy diferente.

Tres mujeres saqueadas, vapuleadas, jaqueadas esperan el regreso del líder justicialista. Junto a ellas está también un homosexual transformista del que una, la —en apariencia— menos lúcida mentalmente, está perdidamente enamorada. Tres mujeres que en el calor, sofoco y sordidez de un vestuario, de un camarín de un antro de mala muerte, esperan lo imposible: la redención. Pero su espera no es pasiva ni paciente. Tienen planes. Y piensan llevarlos a cabo. En realidad, su dudosa actividad en el bolichongo es una tapadera: van a hacer la revolución. Y están decididas. Y nada podría detenerlas ni hacerlas desistir.

La trama se va desenrollando lentamente, a pesar de la cortedad de la obra (apenas unos 70 minutos en tiempo cronológico; en tiempo de sensaciones y emociones, la obra tiene picos muy agudos, logrados por las excelentes actuaciones de los cuatro actores). Podría decirse que la obra oscila entre el grotesco discepoliano, la novela rosa —pero descarnada— y la perfecta hechura puiguiana del personaje del homosexual (representado por Germán Rodríguez). El escenario permanece igual a lo largo de toda la puesta, salvo en la escena final; los cambios de escena están adecuadamente marcados por la música, las luces y las entradas y salidas de los números que las “actrices” deben representar en ese lugar.

La actuación es precisamente uno de los ejes tematizados: las mujeres actúan, por llamarlo de algún modo, ante sus clientes; actúan entre ellas; actúan hacia “fuera”, manteniendo la triste fachada de mujeres golpeadas por la vida, de quien nadie sospecharía que aguardan el momento exacto de entrar en acción; y actúan también para sí mismas, empeñadas en mantener cada una un rol que le ha sido asignado hace mucho tiempo y del que no se pueden ya apartar: una, inclaudicable en su amor por el General, a quien llama por su apelativo cariñoso “Pocho”, sigue aferrada a una carta que éste le enviara cuando ella era apenas una púber y él ya se había transformado en “el caudillo depuesto”; la otra, inamovible en su rol de protectora, ideóloga, mártir y conductora de esa improbable pero justiciera revolución, apodada “Entre Ríos” por un repugnante suceso acaecido también durante su más tierna juventud; y, por último, la menos agraciada de las tres, la ingenua, la pobrecita frágil de entendederas que en medio de los parlamentos más punzantes puede salir con un salmo de la Biblia o con los versos de Santa Teresa de Ávila, una poeta mística española, que le dan título a la obra.

Y entre todas ellas, aparece y planea, como una sombra imposible, la figura del líder al que se espera con la misma ansiedad con que se esperaría a un mesías, o también a un padre superior o un imposible deus ex machina que vendrá a arreglarlo todo con su sabiduría. Vale destacar, en este sentido, lo acertado de la voz en off del actor Arnaldo André leyendo la carta de Perón mencionada anteriormente. Pero entre ellas también planea el mariposón, el maricón, el che pibe, el transformista que también está signado por la actuación: no sólo por su condición sexual o por su labor artística sino porque al promediar la obra se descubre cuál es su verdadera identidad, lo que precipita luego los acontecimientos. No logrará, a pesar de sus esfuerzos, salirse con la suya porque ha elegido el camino más vil y su trágico final signará también el final de las tres mujeres y su quijotesca empresa.

La obra descansa mucho de su potencia en un uso certero, pero en ocasiones un tanto abigarrado, de la escatología así como también de la ironía y de un humor que, lejos de motivar la risa hilarante, motiva los sentimientos más acongojantes del ser humano: la inmensa, incomparable e inefable soledad en la que habita cada uno desde que nace hasta que muere y cómo cada uno de estos personajes intenta lidiar, sin demasiado éxito, con ello.

Funciones: Viernes 23 horas
Camarín de las Musas, Mario Bravo 960
Reservas: 4862-0655
Entrada: $30 - Desc. est. y jub. $15

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Radio Universidad

Santa Teresa de Jesús (poema completo y biografía)

LO IRREPARABLE

2009-09-12T21:45:00.000-03:00

27/03/09 - Teatro: La prótesis (Kahan)

La palabra “prótesis” proviene del griego y significa, literalmente, “colocar delante”. Metafóricamente, se la emplea para designar, según el diccionario, el “procedimiento según el cual se repara artificialmente la falta de un órgano o parte de él, como la de un diente, un ojo, etc.”. La prótesis es el título de la obra de Martín Kahan, reestrenada el viernes 13 de marzo en el coqueto Camarín de las Musas, en la que sin duda alguna se nos ponen cosas “delante” y, por sobre todo, se intenta reparar artificialmente lo irreparable.

Un consultorio odontológico misérrimo, venido a menos, cuyo equipamiento más moderno data de 1926; un odontólogo tan venido a menos como su consultorio, esperando una prebenda sindical que nunca llega, obsesionado con su madre muerta; un sindicalista del Teatro Colón, inescrupuloso, violento e insensible, que promete cosas que nunca piensa cumplir y una cantante de ópera que la víspera de una importantísima audición pierde un diente, son los efectivos ingredientes de esta puesta minimalista pero audaz en la que se convocan todos los sentidos del espectador.

A saber: comienza en la más absoluta tiniebla, puesto que un corte de luz se ha producido en el consultorio; durante el transcurso de la obra, los sonidos infernalmente desagradables del torno del dentista se contraponen a las altísimas notas a las que intenta llegar, desolada ante la falta de su diente, la soprano; en el clímax, un escalofrío nos recorre al advertir no sólo el delirio —anestésico, onírico— en el que entran los tres personajes (protagonizados por Natalia López, Pablo Barboza y Matías Scarvaci), sino la inquietante posibilidad de que la muerte que se produce en escena no haya sido producto de la impericia del dentista arruinado por el alcohol y el juego sino una aguda estratagema de la soprano para huir del abismo pasional (besos y golpes a un tiempo) en el que estaba sumida.

El tiempo pasado y el tiempo futuro siempre se les escapan a estos personajes que lentamente van opacando y dejando a un lado al sindicalista: el odontólogo no puede dejar de pensar en su madre, también cantante de ópera, quien lo llevaba al teatro desde muy pequeño, y va desplegando su obsesión al punto de hacerle la prótesis “provisoria” a Laura —la soprano herida por el amor (los celos) del sindicalista— desarmando la que hiciera años ha para su madre; llevándolos al paroxismo al traer el velo y el vestido que su madre usara para uno de sus estrenos. La soprano ve escaparse la posibilidad de obtener un papel formidable en la audición que tiene al día siguiente si no le reparan el diente de una vez por todas, pero aun cuando se lo reparan los efectos de la anestesia no se hacen esperar y las once de la mañana del día siguiente nunca llegan.

Vale la pena destacar el atinado uso de la luz del atemorizante aparato odontológico del año 1926, del que el dentista se siente enormemente orgulloso, tanto que es lo único que no está dispuesto a jugarse en una sobrecogedora mano de naipes con el sindicalista, mientras Laura se recupera (o se va definitivamente) de la anestesia. Su lámpara, potente, con la misma frialdad aséptica y tenebrosa de las luces de los quirófanos, opera como un reflector más y es direccionada por el dentista según las escenas lo requieren y su contraste con la oscuridad reinante en el resto del escenario refuerza los efectos buscados. Otro tanto puede decirse del ominoso sonido del torno, símbolo y eco de otros instrumentos (de tortura) aún menos agradables. El vestuario recrea un look de los años cuarenta/cincuenta y el guardapolvo sobado y mal abrochado del dentista casan perfectamente con la precariedad y sordidez general de la escena.

Si algo hay que señalar es el no tan atinado recurso al elevamiento de la voz como modo de dar énfasis o dramatismo a las escenas. En un par de ocasiones en que esto sucede en la obra la confusión de las tres voces elevándose una por sobre la otra termina saturando el oído del espectador y no permitiéndole discernir qué dice cada quien. Si acaso fuese un efecto buscado, sería bueno replantearse hasta qué punto contribuye a la eficacia y contundencia de una obra que no necesita de gritos para merecer sobradamente el aplauso.

Funciones: Viernes 23:15 hs.

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960 / Reservas: 4862-0655

Entrada: $25 - Jub. y est. $15

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VuenosAirez

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EL POETA ES DEUDOR DEL UNIVERSO

2009-09-05T23:40:00.000-03:00

06/02/09 - Teatro (musical): Cielo rojo (el sueño bolchevique) (Tritek)

“Cielo rojo” es un espectáculo teatral y musical nacido en el ciclo “Octubre Rojo Rojas” realizado en el Centro Cultural Rojas con motivo de los 90 años de la revolución rusa, cumplidos el pasado 2007. Gracias al merecido éxito de la puesta de Helena Tritek, la obra continuó representándose durante todo el 2008 y en este 2009 retoma sus funciones en el Patio de Actores, un lugar pequeño pero acogedor, ideal para un espectáculo de estas características.

En él se fusionan el biodrama (con la presentación a cargo de Teresa Cura, militante del Partido Comunista cordobés), la música (con la guitarra de Gabriel Magni), las canciones en ruso, de una alegría y tristeza desgarradoras, en la excelente voz de Gipsy Bonafina, la danza, las consignas revolucionarias, la efervescencia de una época de cambios inusitados y, sobre todo, la poesía de dos enormes poetas rusos: Anna Ajmátova (interpretada por Silvia Docampo y Charo Moreno) y Vladimir Maiakovsky (interpretado por Esteban Meloni, ternado como Mejor Actor de Reparto en los premios “Florencio Sánchez” por este trabajo). Durante los sesenta minutos de la obra, los versos encendidos, apasionados, incandescentes y renovadores de ambos poetas sobrevuelan y flamean como las banderas rojas que flamearon también en su día y que en la obra adquieren un simbolismo trágico e innovador a la vez.

La acción siempre transcurre en Rusia pero se ubica en diferentes lugares y momentos: en Moscú, en San Petersburgo, en Ekaterimburgo; en la Plaza Roja, en el cabaret literario “La Linterna Roja”, en los jardines del Palacio de Invierno del Zar, en una cabaña en los Montes Urales y en el sótano de una fábrica. Cada cambio de escena está marcado por alguno de los personajes que, o bien anuncia dónde y en qué año transcurre la acción antes de que comience o bien lo dice durante la acción misma.

Así, por ejemplo, asistimos a la alegre y desmesurada reunión de los poetas en el cabaret literario, donde ocurre uno de los pasajes más memorables en lo que a texto se refiere: el discurso de Lili, la soldado cantante, dirigido al “camarada inspector” en el que se reconoce deudora de los impuestos, sí, pero ante todo y como poeta, se declara deudora del universo. En otro pasaje, las zarinas, ajenas a cuanto sucede fuera de los límites del palacio, hablan y cantan en francés, se hacen reverencias y creen vivir en un cuento de hadas. Los tramos más desgarradores, sin caer nunca en el golpe bajo, son el fusilamiento de las zarinas, la terrible espera de la poeta Anna Ajmátova a las puertas de la cárcel donde están sus compañeros y, sin lugar a dudas, el suicidio del poeta Maiakosvky, autor de los versos que coronan la obra y que vale la pena repetir: “¡Resucítenme, aunque sólo sea porque soy poeta / y esperaba el futuro luchando / contra las mezquindades de la vida cotidiana! // ¡Resucítenme aunque sólo sea por esto! // ¡Resucítenme, quiero acabar de vivir lo mío, mi vida!”

En la obra figuran también otros poetas del momento, como Alexander Blok y Boris Pasternak, el reconocido autor de la novela Doctor Zhivago. La puesta en escena, minimal pero contundente, y la dosificación de los cuadros, puede pensarse como el rítmico movimiento del corazón en tanto hay momentos de expansión (como el pasaje del cabaret, exultante, gozoso, con un franco espíritu de bacanal poética y espiritual) y momentos de contracción (como el fusilamiento de las zarinas, inquietante, escabroso, contrastante en grado sumo con el primer cuadro en que ellas aparecen). También podría pensarse, más en consonancia con el espíritu político de la obra, en la dinámica de la dialéctica: tesis, antítesis y síntesis, bella y soñadora síntesis representada en la bandera roja que ondea hasta el final.

Funciones: viernes y sábado a las 21 hs. Actualmente (septiembre 2009): domingos a las 17:30 hs.
Patio de Actores, Lerma 568 (la sala posee aire acondicionado)
Informes: 4772-9732
Entrada: 25$. Jubilados y estudiantes, 20$

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Cielo rojo

Nota en El Leedor.com

Crítica en ANSud

LAS LÁGRIMAS DE UN HOMBRE

2009-09-05T22:59:00.000-03:00

17/01/09 - Teatro: El día que Nietzsche lloró (Yalom)

El sábado 17 de enero se reestrenó en la ciudad de Buenos Aires la obra El día que Nietzsche lloró (basada en la novela homónima del psiquiatra Irvin D.Yalom), luego de una exitosa gira por el interior del país. Con la dirección general de Lía Jelín y un elenco conformado por Luciano Cazaux (como Nietzsche), Pablo Mariuzzi (como el doctor Josef Breuer), Florencia Dyszel (Lou Andreas Salomé), Andrés Giardello (Sigmund Freud), Paula Rebagliati (Mathilde Breuer), Carolina Díaz (Bertha) y Franco Gerardi (Paul Rée), la obra pone en escena, en apenas una hora, todos los tópicos —transferencia, complejo de Edipo y el innegable poder curativo de las palabras— del psicoanálisis.

Pero no se trata de un mero pasar revista a un fenómeno que aún sigue teniendo enorme impacto en la vida de las grandes urbes, sino de ahondar en la atormentada vida de un hombre que predijo su propio futuro. Un hombre capaz de afirmar que conocía su suerte y que “alguna vez irá unido mi nombre al recuerdo de algo gigantesco, de una crisis como jamás la había habido en la tierra, de la más profunda colisión de conciencia, de una decisión tomada, mediante un conjuro, contra todo lo que hasta ese momento se había creído, exigido, santificado. Yo no soy un hombre, soy dinamita”.

El filósofo Friedrich Wilhem Nietzsche encarna, a fines del siglo XIX y en los albores del siglo XX, esa enorme crisis de la que aún vivimos sus consecuencias. Anunció la muerte de Dios y aseveró que lo único que mueve a los hombres es la voluntad de poder, de dominio sobre los otros. Enunció la teoría del eterno retorno, ensalzó a Wagner y quedó preso de amor y locura por la enigmática Lou Andreas Salomé. Pero ¿cuál fue el precio que tuvo que pagar por todo eso? Ser marginado, vilipendiando, incomprendido; terminar su vida completamente enajenado y alienado, definitivamente loco.

La obra, entonces, viene a iluminar el período más fecundo de Nietzsche, cuando aún se encontraba en plena posesión de sus facultades, si bien los síntomas del mal ya estaban allí. Una estancia en Viena, la ciudad donde nació el psicoanálisis, es la excusa para que, por intermedio de Salomé, Nietzsche se ponga en manos del doctor Josef Breuer, el maestro de Freud. La “cura dialogada”, que Breuer y Freud apenas están comenzando a investigar, parece ser el único remedio posible para los malestares que lo aquejan, pero el filósofo es demasiado astuto para “caer” en esa trampa y Breuer decide hacerle creer que quien realmente necesita “dialogar” es él y lo pone en el lugar del médico. Los roles entre “médico” y “paciente” se invierten varias veces y tras mucha resistencia, confusión, desánimo y explosivas exaltaciones, Nietzsche logra dejar salir (“deshollinar”) buena parte de todo lo que aguijonea y envenena su alma. En el transcurso de la cura llega a apreciar sinceramente, a pesar de la “traición” de que ha sido objeto, la amistad de Breuer.

La escenografía de la obra busca destacar los dos planos que el joven Freud ha descubierto en sus primeras investigaciones: el de la “realidad” y el del “inconsciente”. Para ello, el escenario está dividido con una suerte de velo detrás del cual los personajes danzan, con una coreografía perfectamente sincronizada, mientras representan los pensamientos que pululan por la mente de los dos hombres: Breuer, un exitoso médico vienés, obsesionado con su paciente Bertha, quien sufre de histeria y por quien ha estado a punto de perder a su familia, y Nietzsche, el profesor y filósofo aquejado de fuertes migrañas, enloquecido de amor por Lou Andreas Salomé, a quien le envía injuriosas cartas que, sin embargo, revelan —en lo que no dicen— lo que sentía por ella. Por otra parte, la música y el desfile de imágenes oníricas proyectadas sobre una gran pantalla al fondo del escenario marcan adecuadamente los cambios de escena.

Vale destacar también que la obra no carece de toques humorísticos en muchos de los parlamentos entre el médico y el filósofo, lo que no solamente agrega un toque de color sino también un modo ameno de aligerar el dramatismo de un hombre que le quiso hablar a la humanidad entera y lo logró, pagando quizá el más alto de los precios: perder su propia humanidad.

Funciones: de jueves a domingo
Jueves Populares: 22.45hs. Entrada $40
Viernes y sábado: a las 22.45 hs. Entrada $60
Domingos: a las 21.45 hs. Entrada $ 60
Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062

Informes: 4815-5665 / 4812-4228

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El día que Nietzsche lloró (el libro)

Crítica en ANSud

EL PODER DE LA VULVA

2009-09-05T22:18:00.003-03:00

14/11/08 - Teatro: Lame vulva (un ejercicio de poder) (Marcou)

“Si tuvieras un hijo lo criarías a pura leche, amor y María Elena Walsh…” recita uno de los personajes de Lame vulva (un ejercicio de poder), obra escrita y dirigida por Martín Marcou, con las actuaciones de Checha Amorosi, Lilian Fittipaldi y Javier Rosón. Pero no dejemos que la aparente melosidad de esos versos nos engañen: a medida que la obra transcurre vemos que hay cualquier cosa menos amor o, en todo caso, hay una versión completamente distorsionada y fuera de foco del amor.

Una pareja discute y uno de ellos ejerce, sin piedad alguna, violencia verbal y física sobre el otro. Los prejuicios, los estereotipos, la mentalidad bienpensante nos llevarían automáticamente a creer que es el hombre el que lleva a cabo tales acciones. Error. En el caso de Lame vulva es la mujer la que no sólo defenestra, rebaja, desprecia, humilla, veja, golpea, aporrea y lastima al hombre sino quien también lo maneja, como un títere, a su antojo. Pero como nada es casual en esta vida, que ella sostenga esa conducta y que él, pasivo, sumiso, casi “como una mujer”, continúe soportándola (¿o quizás alentándola?), tiene un claro y contundente antecedente que no tardará en hacer su triunfal aparición en escena: su propia madre.

Vestida con colores chillones, digna representante de lo que alguna vez Ricardo Zelarrayán llamó “tucán de cementerio”, con aires de diva tilinga y barrial, autoproclamada poeta y con un ejercicio de la violencia y la agresión más sutiles pero igualmente efectivos que los exhibidos por su nuera, la suegra rápidamente se adueña de la situación en ese domingo que la pareja pretendía fuera “de ensueño”. A partir de ese momento, la lucha sorda y despiadada entre las dos mujeres, que por momentos incluso parecen ignorar al (des)preciado objeto —al ser humano— que se disputan con ferocidad digna de mejor causa, no conocerá fronteras ni límites.

Porque no hay límites para quien nunca los ha conocido: la madre, más invasora e invasiva que una idische mame, comparte con su hijo hasta los pliegues más íntimos de la vida de ambos; el hijo, imposibilitado de toda reacción, navega feliz entre las borrascosas aguas del amor conyugal y las falsamente cálidas del amor maternal; por último, la mujer, cuya ambigüedad queda subrayada en su forma de vestirse (calzas de acetato hiperajustadas color rosa y camiseta de Boca Jrs.), cuya nulidad como procreadora es crudamente machacada por la suegra, cuya impotencia ante su incapacidad de “oler como una mujer” se refleja en su conducta violenta y tiránica y cuya falta de femineidad se exhibe en su chatura física, no conoce otro modo de acercarse a los otros que no sea el de la agresión. Insulta a su marido con los improperios más acertados y descabellados a la vez, y en esto la obra resulta una grata sorpresa: mientras uno esperaría los insultos más típicos y procaces de nuestro idioma, el autor ha tenido el buen tino de encontrar —y fabricar si es necesario— aquellos que resulten igual o más hirientes (como el del título) a la par que risibles que los usuales, cada vez que el pobre Horacio es injuriado por su mujer.

En una ambientación con pocos pero escogidos toques kitsch, como la tela símil peluche color fucsia rabioso que cubre el sofá donde transcurre buena parte de la obra, en un espacio reducido pero bien distribuido y con una excelente musicalización, Lame vulva es una comedia no sólo cruda como se proclama en los carteles sino también profundamente humana que deja al descubierto, en primer plano y con ese fondo fucsia shocking, emociones y situaciones que muchos preferiríamos no ver y que sin embargo, modelan el curso de nuestras vidas.

Funciones: Viernes 22:30 hs.
La Ratonera Cultural - Corrientes 5552 1º piso.
Capacidad limitada - Reservas: 4857- 2193
Entradas generales: $20,00.
Desc. Estudiantes y jubilados: $15,00.

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¿ACASO NO ES SUEÑO LA VIDA?

2009-09-02T20:54:00.001-03:00

25/10/08 - Teatro: El marinero (Pessoa)

Fernando Pessoa (1888-1935) es el mayor poeta en lengua portuguesa del siglo XX. Su poética personalísima (arraigada desde el vamos en su apellido, que en portugués significa ‘persona’ y que remite al latín personae, es decir, a las máscaras utilizadas en el teatro antiguo) se destaca ante todo por la fragmentación, la dispersión y la descentración del yo. Quizá como ningún otro antes o después, Pessoa cultivó la heteronimia: es decir, la creación de autores ficticios a los que dotaba de una obra y una biografía singulares, en la creencia de que la coherencia y unicidad del yo sobre la que se fundamenta buena parte de las sociedades actuales no es más que una ficción, tan absurda como todas las demás. Así, entre sus heterónimos más populares figuran Alberto Caeiro, Ricardo Reis, Álvaro de Campos y Bernardo Soares. Todos escribieron tanto como él, cada cual en su estilo particular. Y todos ellos, juntos, conforman el universo poético de Fernando Pessoa, ese oscuro empleado de ministerios y comercios, que vivía en efímeras pensiones, dirigía revistas literarias más efímeras aún y que sólo llegó a ver un libro suyo publicado en vida, Mensagem (1934).
Se diría que vivió escribiendo en todas partes, con todos sus “yoes” implosionando en el blanco de infinitas hojas y así cultivó no sólo la poesía y la reflexión filosófica sino también el teatro. Pero, atención, y he aquí el porqué de esta larga introducción, el teatro de Pessoa no se ajusta a los cánones ordinarios de lo que comúnmente entendemos por teatro. Remitiéndose a los orígenes mismos de la representación teatral, donde se fundían música, danza, poesía y una honda exploración en el alma humana, lo que Pessoa prioriza en su escritura teatral es el lirismo y el estatismo, dejando a un lado el conflicto. En sus propias palabras: “Llamo teatro estático a aquel cuyo enredo dramático no constituye acción; esto es, donde las figuras no sólo no actúan, porque ni se mueven, ni hablan de moverse; sino que ni siquiera poseen sentidos capaces de producir una acción, donde no hay conflicto ni perfecto enredo. Se dirá que esto no es teatro. Creo que lo es, porque creo que el teatro tiende a ser teatro meramente lírico y el enredo de teatro existe, no en la acción, sino, más ampliamente, en la revelación de las almas a través de palabras confusas y en la creación de situaciones de inercia, momentos de alma sin ventanas, sin puertas a la realidad.”
Esa es la propuesta de su obra El marinero, dirigida por Mónica Driollet e interpretada por las actrices Mara Besalú, Dora Mils, Celina González del Solar y Luciana Danquis. Tres mujeres están velando a una cuarta. Todas visten de negro —y están de espaldas al público— menos la muerta, enteramente vestida de blanco, como una novia. Hay dos grandes cirios a su lado. Sobre el blanco de su vestido destacan sus largos cabellos. Se espera, con ansia, la llegada del día. Las tres mujeres cuchichean y luego comienzan a hablar. Eso es todo, en apariencia, lo que harán. Quien busque acción, giros dramáticos, escenas desgarradoras, no lo hallará. No hay conflicto, como se dijo, ni hay nudo, ni siquiera desenlace. En el teatro de Pessoa hay, ante todo, voces (y el omnímodo silencio de la que es velada). Voces que representan almas, voces que divagan, que encantan, por las que fluye, serena y sedosa, la poesía; voces que se enojan, se emocionan, se preguntan, se responden, se detienen, quedan suspendidas en el aire, se imprecan entre sí y más aún, voces que sueñan. Especialmente una voz que sueña, que sueña con el marinero del título, pero todas, con sus diferentes acordes, constantemente nos hacen dudar acerca de cuál es la realidad, cuáles son los límites del ser, cuáles son las cosas que hemos vivido realmente … ¿las que soñamos? ¿las que imaginamos? ¿las que deseamos haber soñado? Las preguntas podrían seguir porque esa es también una de las principales cualidades de esta obra: no ofrecer respuestas sino generar preguntas.
Con una puesta austera pero precisa, en un espacio teatral moderno enclavado en pleno barrio de San Telmo, esta versión de El marinero de Fernando Pessoa, la única de sus obras teatrales que puede llamarse completa y de una brevedad sobrecogedora, nos lleva también a lo que esos dos monstruos del teatro universal (Shakespeare y Calderón), entre otros, ya han planteado: que quizá toda nuestra vida no sea más que un sueño y que creer en ese sueño es lo único que nos puede llevar hacia la felicidad.

Funciones: sábados, a las 19hs
Entradas: $25 - Jubilados y estudiantes con descuento
Teatro Del Borde: Chile 630, San Telmo
Reservas: 4300-6201

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Nota sobre la poesía dramática de Fernando Pessoa en Revista Proscritos
Crítica en ANSud

NADIE ES INOCENTE

2009-09-02T20:21:00.000-03:00

27/09/08 - Teatro: El reino de las imágenes nítidas (Laragione)

En marzo de 1933 un hombre huye, en tren, de Berlín. Mucha gente lo hacía entonces, pero este no es un hombre cualquiera: es Fritz Lang, el famoso director de cine. Y huye porque no quiere formar parte de lo atroz, de lo verdaderamente degenerado, que ya no es el arte expresionista sino el nazismo. Este hecho histórico es el punto de partida que eligió Lucía Laragione para su obra teatral “El reino de las imágenes nítidas”, una acertada composición entre los hechos reales y las fantasmagorías que pueblan la cabeza del aturdido Lang en su viaje desesperado hacia París, puesta en escena por la Compañía Knuck, con la dirección de Diego Cosin.
Así, en el inicio de la obra, vemos a Lang (interpretado por Alejandro Genusso) en el lujoso compartimiento de un tren, donde luego de esconder dinero bajo la alfombra, es abordado por un guarda (interpretado por Javier Maestro) que, en lo avanzado de la hora y en la confusión de la huida, bien podría ser un adepto de las juventudes hitlerianas (de hecho, se juega con esta ambivalencia —sin recargar las tintas— hasta el final, cuando el tren ya ha arribado a París y el guarda levanta el brazo a modo de saludo, en lo que parece un trunco saludo nazi). En este clima pesadillesco, onírico, fantasmagórico, por momentos policial, por momentos grotesco, en el que los bordes entre la realidad y la ficción se borran, en los que la ilusión escénica se reproduce incluso dentro de sí misma, transcurren los 55 minutos de la función.
La puesta teatral, sobria, cuidada, se completa además con la proyección de diapositivas con imágenes que ilustran no sólo lo que sucede en escena sino que remiten a fotogramas de los films de Lang (como “M, el vampiro”) y a la estética predominante en aquel período, el expresionismo alemán, un arte “degenerado” y contrario a las ideas purificadoras y tradicionalistas que impulsaba el nazismo y principalmente su ministro de Educación y Propaganda, Joseph Goebbels.
Es justamente Goebbels —en la magnífica interpretación de Álvaro López— quien no sólo prohíbe el último film de Lang, “El testamento del doctor Mabuse”, sino también quien le pide que se haga cargo de la Cámara de Cinematografía Nacionalsocialista. Durante la tensa entrevista, Lang mantiene un silencio perturbador mientras que Goebbels deja caer sus palabras con milimétrica precisión. El director, sintiéndose acorralado, apela a su, paradójicamente, carta de salvación: “tengo ascendencia judía”. Goebbels, impertérrito, observa que ya lo sabían y, a continuación, susurra: “nosotros decidiremos quién es judío y quién no lo es”.
Baste este pequeño fragmento como muestra de los temas que sobrevuelan sin cesar y con profundidad cada vez mayor la obra: la hipocresía, la falsedad, el terror, el miedo, el fanatismo, el papel del arte y de los artistas en la sociedad y en los regímenes políticos, entre otros. En uno de los cuadros, por así llamarlos, que desfilan por la imaginación de Lang mientras el tren lo lleva lejos de ese infierno pero, a la vez, lo sumerge cada vez más en su propio infierno, se ve a sí mismo brindando un grandilocuente discurso tras haber aceptado el cargo ofrecido por Goebbels. Lang, exaltado, subido a una tribuna decorada con el águila nazi, proclama: “El papel del arte no es revolcarse con fruición en la inmundicia, su misión nunca será reproducir la descomposición, dibujar cretinos para simbolizar la maternidad, pintar jorobados subnormales para representar la fuerza viril...”. Y a continuación, poseído por una fuerza ajena a sí mismo, dice: “El cambio artístico debe ser símbolo del cambio político. Nosotros hemos vivido el impresionismo, la nueva objetividad y ahora hemos conquistado el reino de las imágenes nítidas”. Las imágenes nítidas son aquellas que sólo están al servicio de una causa atroz, con la que Lang no puede, como sí lo hará su mujer, Thea von Habour (interpretada por Antonia de Michelis), pactar.
Si hay un recurso sobre el que la obra gira en torno es del teatro dentro del teatro. Dos momentos son los que más sobresalen en este sentido: el primero, cuando el misterioso personaje, interpretado por Alejandro Mazza, P. K. (un criminal al que recurre Lang para conseguir los negativos de su película antes de que sean destruidos, pero también —quizás— el propio Peter Kütler, el “vampiro de Dusseldorf”, temible asesino serial sobre el que Lang realizó su film “M, el vampiro”) obliga a Lang y a su mujer, Thea von Habour, a representar el momento en el que el verdadero Kütler le confiesa a su mujer que él es el asesino que todos buscan; y el segundo cuando Thea finge su muerte frente al propio Lang para obligarlo a éste a aceptar el cargo que le propusiera Goebbels. El teatro, del mismo modo que las “imágenes nítidas”, es usado así para lograr fines espurios y también para dejar en claro que nadie, ni siquiera el propio Lang, como sus propios demonios y temores se lo demuestran, que huye y recién en 1942 podrá ver estrenada su película prohibida por Goebbels, es inocente.

Funciones: sábados, a las 21hs
Teatro Payró: San Martín 766
Informes y Reservas: 4312-5922
Entrada: $25. Descuento a estudiantes y jubilados

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Página de la obra
Entrevista al director, Diego Cosin, en Página/12
Alternativa Teatral

NI EL TIRO DEL FINAL TE VA A SALIR

2009-09-02T20:00:00.002-03:00

05/09/08 - Teatro (unipersonal): Suerte (Savignone)

“Y en tu total fracaso de vivir / ni el tiro del final te va a salir” reza un célebre tango de Cátulo Castillo. Es acaso lo único que le falta a la obra “Suerte”, de Marcelo Savignone, que se reestrenó la fría noche del viernes en un teatro del off Corrientes (el Belisario), para salir todavía con más fritas de las que ya sale.
“Suerte” no es sólo una obra teatral o un “unipersonal tragicómico”, como se la promocionaba en la puerta del teatro pocos minutos antes de comenzar. Es un impresionante e inquietante catálogo, un detallado y minucioso compendio de las mil y una formas de matarse que están a disposición del hombre.

Ya dijo Camus que el único problema filosófico que realmente debía ser dilucidado era si valía la pena (o no) vivir la vida y a ello dedicó uno de sus libros más lúcidos, El mito de Sísifo, en el que se basa, junto a otras obras, Marcelo Savignone para componer esta pieza que amalgama acrobacia, danza, canto, pantomima, magia y performance.
Mientras el público aún está acomodándose y las luces todavía no se apagaron, un hombre se suicida en escena. La sala enmudece, el hombre se balancea de una soga y quien esto escribe sólo podía pensar en la “Balada del ahorcado” del poeta francés (un auténtico poet maudit) François Villon. Pero, tranquilo, amable espectador: esto es apenas el comienzo. Apenas el primer intento de los muchos (realmente muchos) que el innominado protagonista de la obra, esto es, el propio Savignone, llevará a cabo durante los próximos sesenta y cinco minutos.
La obra prescinde en su mayor parte de la palabra hablada para privilegiar ante todo la palabra cantada, pero también el tarareo, el balbuceo, la queja airada y los sonidos más broncos y guturales que un ser humano pueda producir en sus momentos más angustiosos y decisivos. Las canciones que va desgranando Savignone no sólo reflejan a la perfección aquello que nos quiere trasmitir sino que son una excelente síntesis entre la estética dolorosa, quejumbrosa y apasionada del bolero junto con la frivolidad y sencillez de las canciones pop.
¿Por qué este hombre quiere suicidarse? ¿Qué le ha pasado? Rápidamente nos damos cuenta que una mujer, Teresa, lo ha dejado. Quiere matarse por amor. Quiere dar la vida por ella, por la que lo dejó. Y ensaya así las posturas más adecuadas para el crucial momento en que ella llegue y ya sea demasiado tarde, o rompe sus fotos y sus cartas para luego besarlas. O la llama por teléfono hasta que al fin la encuentra y entre las puteadas y las palabras entrecortadas sale esa única verdad palpable, ese tierno y desesperado “te extraño mucho”, pronunciado de un modo irreproducible en palabras, con una modulación tan patética y exacta que si usted, querido espectador, en ese momento no recuerda la vez que también lo dijo en las mismas circunstancias y no siente al tiempo que su corazón sangra y se retuerce pensando en esa única persona (usted sabe cuál) será necesario que se haga ver. Urgente.
Y los métodos (pastillas, trenes, balcones, etc.) se suceden y nada da resultado. En el paroxismo de la obra este pobre Cristo llega a la suma ridiculez de echar un poco de agua en el piso, cerca de la heladera, y pisar (saltar) con sus pies descalzos en el breve charquito al tiempo que toca desesperadamente la heladera. Pero nada. La muerte ni se asoma. Y mientras tanto el dolor no para. Y uno piensa en los célebres suicidados que sí lo lograron: el seconal de Alejandra Pizarnik, el mar de Alfonsina Storni, el suicidio ritual de Mishima, el largo suicidio de Pavese, el cianuro vencedor de Horacio Quiroga y tantos otros. ¿Y por qué a este hombre se le niega esta gracia? ¿Por qué no tiene suerte en los sucesivos, denonados, absurdos, patéticos, tiernos y desesperados intentos por ponerle fin a su vida? ¿Por qué ni siquiera el pistoletazo o el sablazo sirven?
Porque si hubiera que pensar en alguna moraleja (a pesar de lo fea que suena esta palabra) habría que pensar tal vez que ya nadie muere por amor. Que allí donde este hombre quiere morir para un otro en realidad quiere desesperadamente vivir, pero no sabe cómo hacerlo. Algo falla en la comunicación con el entorno: tanto falla que cuando suena el portero de su mísero monoambiente, excelentemente recreado en escena, es porque se equivocaron de timbre. Tanto falla la comunicación, tanta es la soledad, el aislamiento y la alienación que sin Teresa este hombre ya no es nadie, ha perdido su identidad, ha perdido el ser y no ve más remedio que quitarse la vida para terminar con tanta agonía.
Pero agonía también quiere decir, etimológicamente al menos, lucha y de eso también se trata esta obra. Es la lucha de un hombre por vivir y no meramente por morir. Porque morir es fácil (o “es un arte”, como dijera otra célebre suicida, la poeta norteamericana Sylvia Plath, quien metió la cabeza en el horno, cosa que también prueba, inútilmente, el protagonista); lo verdaderamente díficil es vivir. Y más díficil aún, mucho más, es amar y comprender a los demás, establecer puentes y vínculos sinceros y duraderos con los otros.

Funciones: viernes, a las 23.30hs
Belisario Teatro: Av. Corrientes 1624
Reservas: 4373 3465
Entradas: $25

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Página personal de Marcelo Savignone

Crítica en Revista Siamesa

Crítica en ANSud

PARÍS, AGUACERO, DOS HOMBRES, LA GLORIA Y EL ARTE

2009-09-02T19:39:00.005-03:00

30/08/08 - Teatro: En París con aguacero (Papatino)

El sábado por la noche se estrenó, en el mítico y emblemático Teatro del Pueblo (fundado en 1930 por Leónidas Barletta), la obra En París con aguacero, con libro de Enrique Papatino, dirección de Enrique Dacal y las actuaciones de Víctor Hugo Vieyra (El General) y Cutuli (El Maestro). La obra, de una hora quince de duración, ha sido galardonada con el 2º Premio del Honorable Congreso de la Nación Argentina en el Concurso Anual de Ensayos "Legislador José Hernández", y no es para menos.

Con una puesta austera, en la que sólo el sonido dejó algo que desear, sobre todo en términos de verosimilitud, y apelando a las impresionantes dotes actorales de Vieyra y Cutuli, la obra alcanza momentos de hondísima coloratura dramática, siempre de la mano de un texto notable, en el que se aprecian no sólo las ineludibles cualidades de un buen dramaturgo (perfecta concatenación de las escenas, justa regulación de los picos dramáticos) si no también algo no tan frecuente como las habilidades de un experto narrador (dosificación adecuada de los hechos relatados, desvelamiento ni excesivo ni innecesario de las tramas que subyacen a la acción principal) y más todavía, las de un valioso poeta (precisas pinceladas poéticas en los parlamentos que tiñen la obra desde su título —un verso del recordado poeta peruano César Vallejo— y que la realzan desde el comienzo hasta el final sin caer nunca en la ampulosidad ni la ñoñería).
La acción transcurre en París, una noche de tormenta, al cabo de una fiesta donde han sido invitados El General, que no es otro que un viejo y achacoso San Martín, y El Maestro, el celebrado músico devenido gourmandise Gioacchino Rossini. Éste abre y cierra la obra, con una breve introducción en la que lo vemos ayudar al General a llegar a su casa, luego de que sus dolores, sus enfermedades, sus miserias le impidieran seguir en la fiesta. Después de ayudarlo a reponerse y de mantener con él una charla exasperada, animada, irónica, desesperada y conmovedora hasta poner la piel de gallina en más de una ocasión, Rossini retoma su papel de “narrador” o, si se quiere, de “presentador” y cierra el fantasmagórico —pero no imposible ni improbable— encuentro hablando de lo que sucedió luego en su vida y recordando a su amado/odiado rival Vincenzo Bellini, cuya música suena en ese preciso momento.
Pero, sin dudas, lo que merece un párrafo aparte es la actuación descollante de Víctor Hugo Vieyra encarnando a un San Martín profundamente humano, en el que no es posible reconocer a la adusta figura de bronce que marcó, con sus hitos, sus victorias y sus batallas, la infancia de muchas generaciones argentinas, presidiendo bulliciosos patios escolares, decorando cuadernos con su figura orlada de laureles en cada agosto, alimentando un mito que, gracias a esta obra, podemos ver tanto en su belleza y esplendor como en su más abyecta miseria. Un anciano adicto al láudano, un pobre hombre aquejado de dolores insoportables, perseguido por presuntos espías y que constantemente ve a la muerte, esa que no se lo llevó en ningún campo de batalla, “atravesado por un sable, a cielo abierto”, en la figura de su gato muerto es el San Martín que no figura en ningún Manual del Alumno Bonaerense pero es también el mismo que cruzó los Andes y que entrenó a un joven guerrero a su imagen y semejanza para tener la desdicha de verlo morir a manos del enemigo en su batalla más desdorosa, y es también el mismo que hizo todo lo que hizo por sus ideales, algo que muy pocos, en los días aciagos que corren, saben ya con qué se come.
Y no menos merece la actuación de Cutuli como Rossini, ese gran músico y compositor, niño mimado de las tertulias europeas más distinguidas, criado entre algodones y porcelanas de finos ribetes, ese pequeño ser arrastrado luego por el fango de la envidia hacia su rival Bellini, cuya muerte lo ha afectado más de lo que él cree, ese músico que se ha quedado sin nada para crear y necesita “robar” temas para su creación, a quien San Martín confunde con un espía en su delirio, cuando no es más que un artista fracasado a pesar de haber probado las mieles del éxito y de la fama mundana y que termina sus días siendo más conocido por los canelones que por su magnífico Barbero de Sevilla.
Los dos hombres, aunque parecen representar posiciones antagónicas, la lucha y los ideales por un lado, el arte y la creación por el otro, la gloria y la fama, están profundamente vinculados en tanto y en cuanto ambos han librado la misma batalla, cada cual con sus armas: la batalla contra la inutilidad, contra el vacío que acecha toda la existencia y que precisa, para que no seamos apenas seres que respiran y pasan sin dejar huella por el mundo, que le demos un sentido, una finalidad, un motivo por el que despertar cada mañana y seguir adelante, aunque sea inútil, aunque, justamente, no tenga sentido.

Funciones: sábados a las 22hs, domingos a las 18hs
Teatro del Pueblo: Sala Teatro Abierto, Av. Roque Sáenz Peña 943
Informes y Reservas: 4326-3606 / 4394-2639

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Entrevista a Enrique Papatino

Alternativa Teatral

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“TERROR Y MISERIA EN EL PRIMER FRANQUISMO”: 6 CAPÍTULOS DE UNA DICTADURA PARA PENSARLAS TODAS

2009-09-01T22:06:00.008-03:00

17/08/08 - Teatro: Terror y miseria en el primer franquismo (Sanchis Sinisterra)

Todas las dictaduras se parecen. Todas generan el mismo horror, el mismo terror. La misma incomprensión. Por eso no resulta extraño que el autor de la obra teatral “Terror y miseria en el primer franquismo”, José Sanchis Sinisterra, haya elegido una como ejemplo de todas. Y una con la que el espectador puede fácilmente identificarse y trasladar a su horizonte de expectativas, ya que en todas las dictaduras se cuecen las mismas y pútridas habas.
“Terror y miseria en el primer franquismo”, galardonada con el Premio Nacional de Literatura Dramática, por el Ministerio de Cultura de España, toma como modelo “Terror y miseria en el Tercer Reich” de Bertold Bretch, pero sólo como punto de partida: los seis “capítulos” o partes en que se divide la obra funcionan como un muestrario de los distintos abordajes posibles para un mismo horror. La obra pasa, sin desbarrancar nunca, por la comedia, el absurdo, la farsa y el más hondo drama gracias a su particular estructura: cada capítulo se inicia con los actores tarareando una canción, al modo de un auténtico coro de tragedia griega, mientras en la semipenumbra del escenario se realizan los ajustes necesarios para la representación.
Este aparente quiebre de la ilusión escénica funciona en realidad como un preludio, lo que se ve reforzado con el coro. Así, con una puesta minimalista, sin telón, sin decorados, sin aspavientos, sólo con los elementos mínimos e indispensables para lograr el ambiente y con una enorme presencia escénica de los actores se da comienzo a cada capítulo. Capítulo que también podría ser visto como una foto de un momento particular, fotos de un viejo álbum familiar en el que van desfilando los sueños, los deseos, las luchas, los ideales, la gloria, la decadencia no sólo de una familia, de un pueblo o de un país sino de la humanidad toda.

El capítulo que abre la obra se titula “Plato único” (representado por Fito Pérez, Alejandro Orlandoni, Stella Minichiello y dirigido por Claudia Quiroga) y es una muestra acabada del grado de hipocresía y, más aún, de ridiculez, al que llevan todos los fanatismos. Mediante pasos de comedia perfectamente logrados, el autor muestra aquí cómo un hombre, un modesto comerciante, sigue al pie de la letra los mandatos del Caudillo, transformándose él también en un pequeño caudillo (de pacotilla) con su empleado y su amante, quienes, en un gesto esperanzador, denuncian lo irrisorio de su poder. Con excelentes actuaciones y picos de hilaridad, este primer capítulo predispone al espectador para los próximos.

El segundo se titula “El anillo” (representado por Claudia Sánchez y María Forni, dirigido por Teresita Galimany) y ahonda en las máscaras y disfraces que es necesario adoptar para seguir subsistiendo en medio del horror. Dos primas vuelven de una fiesta pero rápidamente el ambiente festivo se disipa y junto con los zapatos y los vestidos caen también las máscaras: Marga y su marido han decidido transar con el poder para obtener beneficios económicos a cualquier precio; Carmina no acepta que su marido haya desaparecido y sigue esperándolo, convencida de que retornará y convencida también de que no se venderá al mejor postor como su prima. La relación asimétrica entre ambas va quedando de manifiesto, de manera gradual, a lo largo del capítulo para llegar a su máxima expresión en el final.

El tercer capítulo, “Intimidad” (representado por Annie Stein y Concha Milla, dirigido por Carlos Ianni), es sin duda alguna el momento de mayor dramatismo de la obra. Rápidamente el espectador se da cuenta de que transcurre en un campo de concentración. Dos mujeres intentan dormir pero el constante terror de que se las lleven se los impide. Allí, mediante soliloquios que erizan la piel y emocionan al mejor plantado, cada una expone sus temores, lo que le sucedió, cómo llegó hasta allí. El hacinamiento, las delaciones, las transacciones, todas las pequeñas —enormes— miserias que se producen en el microclima asfixiante del campo de concentración aparecen, como fulgores inapelables, en cada uno de los parlamentos de las mujeres. La intensidad lograda con apenas unas mantas y acertados cambios de luces es tanto más grande que si se hubiera reproducido al detalle una barraca de las tantas que hubo también en España.

El cuarto capítulo, “Dos exilios” (representado por Octavio Bustos y Daniel Bazán Lazarte, dirigido por Claudia Quiroga), presenta, atinadamente, escenas en paralelo de los exilios de dos hermanos. Uno, el exilio exterior, en México, donde, vale aclarar, fueron acogidos muchos refugiados españoles, entre ellos el escritor Max Aub, uno de los que mejor ha dado cuenta de la diáspora española en sus cuentos y novelas; el otro, el exilio interior, en su propio país, en su propio pueblo, en su propia alma. Mientras uno de los hermanos intenta “aclimatarse” sin lograrlo, el otro se ve perseguido por los fantasmas del pasado y también por los del presente. El momento más emocionante se logra cuando ambos “se encuentran” y tratan de decirse todo aquello que han querido decirse en tantos años de separación y de no saber nada uno del otro.

El quinto, titulado “El topo” (representado por Sebastián Villa y Claudia Quiroga, dirigido por Carlos Ianni), es quizás el menos eficaz de los seis, al menos en lo que a contundencia dramática se refiere, ya que las actuaciones son excelentes. Sin embargo, se tiene la sensación de que algo está faltando allí o quizás esta sensación pueda deberse a los altos e impactantes niveles alcanzados por los dos capítulos precedentes. En este caso, se presenta la historia de un joven que ha permanecido escondido, como un topo, por miedo a ser llevado, sin ser culpable de nada. Aunque la casa donde se esconde es periódicamente revisada (y dada vuelta cada vez que esto sucede), la astucia femenina de su novia hace que él nunca pueda ser encontrado. El drama se desata cuando Miguel proclama no aguantar más y estar dispuesto a entregarse antes que seguir viviendo así.

El último capítulo, “Atajo” (representado por Roberto Municoy y Román Lamas, dirigido por Teresita Galimany), es el punto más alto en cuanto a humor y absurdo se refiere. Dos personajes escapados de una novela mitad picaresca y mitad galdosiana se encuentran en una plaza y casi sin quererlo comienzan a espiar lo que sucede en una casa vecina. Pero esto no es lo importante: lo importante es el despliegue de humor, ironía, acidez y más todavía de vuelo literario que el autor se ha permitido en este capítulo final, donde abundan los juegos de palabras, las rimas y aliteraciones increíbles e hilarantes y donde la actuación de Roberto Municoy como don Abundio se “roba” el capítulo, si bien Román Lamas como don Bolonio no se queda un centímetro atrás. Ambos personajes exaltan y exacerban hasta el paroxismo todos los tópicos españoles esperables y los llevan más allá, haciéndolos universales.

Del mismo modo que la obra en su conjunto, con maestría singular, toma una dictadura particular para denunciar el horror de todas y para hacernos pensar en las dictaduras nuestras de cada día.

Hasta el 28 de septiembre

Funciones: Viernes y sábados 20.30 hs. Domingos 20 hs.

Entrada: $ 25. Estudiantes y jubilados: $ 15

CELCIT. Moreno 431. Reservas al 4342-1026

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CELCIT

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“SIEMPREVIVA”, O LAS QUE NO DESEAN ENVEJECER JAMÁS

2009-09-01T20:26:00.005-03:00

04/08/08 - Teatro: Siempreviva (Bril, Delavalle)

Erzébet Báthory, también conocida como la Condesa Sangrienta, no quería envejecer. Livia, la protagonista de “Siempreviva”, obra teatral de Fabián Bril y Marta Delavalle, tampoco. Mientras la primera, gracias a su condición noble y a los oscuros tiempos en que vivió —la Hungría del siglo XVI—, recurría a la tortura sistemática y al desangramiento, entra otras bellezas inadmisibles, de núbiles muchachas, la segunda, gracias a la pericia de los autores, encuentra un modo más sofisticado (y, si se quiere, más moderno, pero no menos cruel y perverso) para lograr el mismo imposible cometido.

“Siempreviva” viene a formar parte de una larga cadena de obras teatrales, poéticas y narrativas que se refieren a este inusual personaje histórico. La Condesa Sangrienta no sólo existió (y para tranquilidad de muchos, fue procesada y condenada a morir emparedada en su propio castillo, escenario de sus crímenes más horrendos: se llegaron a contabilizar hasta 650 muchachas muertas), sino que su figura suscitó los más variados textos y hasta la existencia de un grupo musical (de heavy-metal, para ser más precisos) que lleva su mismo nombre. Dos de las obras más importantes que su sangrienta estela ha dejado están en la base —y podría decirse que también en la mente de los autores— de “Siempreviva”.

Por un lado, la biografía novelada escrita por Valentine Penrose (La comtesse sanglante, 1962), voluminosa obra en la que se describe, con lujo de detalles, la vida de la lóbrega dama en cuestión, así como sus relaciones familiares, sociales y políticas. El texto, sin embargo, no hace hincapié en las escenas más morbosas y alucinantes sino que se limita a relatar, tras una larga investigación, el espeluznante caso. Aún así, y quizá porque Penrose, después de todo, también era poeta, ese texto logró capturar a esa otra dama (acaso sólo literariamente nocturna), que es la poeta argentina Alejandra Pizarnik. Así, en 1966, Pizarnik publicó en la revista Testigo, una nota (o, mejor, un relato poético, recogido en 1971 en libro), que tocaba los aspectos más densos y tenebrosos del libro de Penrose, precisamente aquellos donde ésta no había querido cargar las tintas.

Bril y Delavalle retoman entonces la idea rectora del personaje, su fiera y absoluta negativa a envejecer, su perversión, su insólita crueldad, y lo reencarnan en los años 50 y en la recientemente viuda Livia, una adinerada mujer argentina, una esclava más del deseo de no envejecer y del miedo irracional a lo inexorable: el paso del tiempo. Al igual que Erzébet, Livia tiene una obediente hasta la saciedad sirvienta, Nené, quien no sólo le proporciona los cuidados que su belleza marchita (mejor aún: marchitándose sin prisa y sin pausa) demanda, sino que también hace “experimentos”, consigo misma y con chicas provenientes de un orfanato, para conseguir el elixir que le permita a su ama ser lozana otra vez. La relación entre ambas, sádica por donde se la mire —pero también la más pura de cuantas Livia tiene—, marca el derrotero de la obra, en tanto ambas aparecen en el “escenario” en el principio y el final.

Y aquí, al menos tres puntualizaciones.

La primera concierne al teatro en el que esta obra se lleva a cabo. No es un teatro convencional. No hay telón. No hay butacas. Silencio de Negras es una casa reciclada del barrio de Constitución, cuya distribución ha sido sabiamente utilizada en función del drama y así, las escaleras, las habitaciones y hasta la puerta de calle son incorporadas al devenir de la obra, que transcurre, en su mayor parte, durante el velorio del marido de Livia, Avelino. Más todavía, el sorprendido espectador ingresa a un hall de recibo en el que hay dos coronas fúnebres sobre una de las paredes y en el extremo opuesto, un pequeño altar, con velas y cirios ardiendo, erigido en honor al difunto, cuya foto trasunta una ligera inquietud. Una mucama ofrece, tímida, algo azorada (se nota que es nueva en sus funciones), una copa de vino a los recién llegados y luego los hace pasar a la “sala central”: dos habitaciones “de la casa”, delimitadas por los acertados cambios de luces. Unas estrechas gradas colocadas en la larga pared del fondo permiten al espectador observar y asistir a todo lo que sucede desde muy cerca, pero sin que la necesaria distancia escénica se pierda en ningún momento.

La segunda puntualización involucra al actor principal de la obra, César Elloy, en su magnífica interpretación de la condesa sangrienta, ahora devenida en una suerte de diva hollywoodense porteña. Es una línea muy fina la que le toca transitar, en tanto fácilmente podría caer en la caricatura o en la mera burla, cosa que no sucede, ni siquiera cuando debe mostrar los costados más grotescos del personaje. Elloy logra acondicionar su voz de modo que suene con los imperativos acordes de una poderosa, una persona a quien nunca nadie le ha dicho “no”. Pero Livia es una mujer dueña de un poder que se extingue fatalmente, haga lo que haga y le suplique a quien le suplique, y así lo demuestra su composición del personaje. Todo esto, desde luego, sin desmerecer el excelente trabajo del resto del elenco, integrado por Carla Vidal, Eugenio Tourn, Marta Haller, Ivana Caballero y Pablo Giles.

La última puntualización tiene que ver con las resonancias literarias presentes en la obra. Si bien está muy lejos de la poética —y desgarradora— condesa pizarnikiana, ecos de los textos en prosa menos frecuentados de la misma poeta resuenan en “Siempreviva” en los momentos en que la obra, por ejemplo, para descomprimir un poco su dramatismo, apela al humor procaz, así como al más ingenuo. También numerosos detalles vinculados con el mundo poético de Pizarnik aparecen, como las referencias a la niñez, a la oscuridad y la cajita musical que con gran acierto suena en el punto más alto de la puesta. La lograda ambientación, el vestuario y el registro coloquial de los diálogos, a su vez, nos evocan a ese otro gran autor argentino, tan en consonancia con la época, los nombres y la circunstancia elegida por los autores, que es Manuel Puig.

“Siempreviva” no sólo le da una más que interesante vuelta de tuerca al (in)comprensible deseo de no envejecer jamás, a la sed de juventud y belleza, a la siempre quimérica vida eterna a la que todos, del modo que sea, aspiramos. También, al par de inscribirse en esta notable ascendencia literaria integrada, como vimos, por Penrose y Pizarnik, entre otros, pone en escena un tema de intensa actualidad, porque ¿qué otra cosa son si no pequeñas y menos crueles condensas sangrientas todas esas mujeres que no dudan un instante en entrar en asépticos quirófanos cada seis meses o en recibir pinchazos de botox, muy parecidos a los pinchazos con largas y finas agujas que Erzébet prodigaba a sus costureritas rebeldes?

Como vemos, esto es tan antiguo como el mundo, ya que, en definitiva, se trata de matar al tiempo, “ese asesino que mata huyendo”.

Estreno para público: viernes 11 de julio, a las 22:30

Funciones: viernes, 22:30hs

Silencio de Negras: Luis Sáenz Peña 663

La obra sigue actualmente (septiembre 2009) en cartel.

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Teatro Silencio de Negras

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